Passengers: There is a reason they woke up

mv5bmtk4mju3mdizof5bml5banbnxkftztgwmjm2mzy2mdi-_v1_ux182_cr00182268_al_La idea tras la cinta Passengers es bastante ingeniosa y característica de las historias de nuestra era: un hombre que viaja por el espacio junto a otras cinco mil personas a habitar un nuevo planeta, despierta antes de lo esperado y le quedan 90 años en una nave donde solo tiene robots como compañía.

Como premisa resulta interesante, pues podríamos estar frente a un náufrago de nuestro tiempo y sus vicisitudes para afrontar esta travesía, que a diferencia de la emblemática película de Tom Hanks de fines de los noventa, cuenta con comida asegurada para toda su estadía, cama y entretenciones, el problema aquí es la soledad y el encierro en un mundo de acero donde el infinito que lo rodea le hace perder la esperanza.

La película comienza bien por ese lado, pero el giro que toma la convierte en una historia que hemos visto demasiadas veces, porque la trama se enfoca en el romance entre Jim (Chris Pratt) y Aurora (Jennifer Lawrence), pues tras un año de soledad, nuestro náufrago se enamora de una chica a la que decide despertar.

passengers1El nombre de la coprotagonista no es casual (recordemos que lleva el nombre de la bella durmiente), pues Jim no sólo la despierta físicamente, sino a un nivel emocional, ya que es una mujer que jamás ha centrado su vida en torno a sus sentimientos. Aurora es una escritora fuerte y decidida, cuya misión es retratar la vida en el futuro con una visión de alguien del pasado (el viaje dura 120 años), y el estancamiento en la nave y el hecho de que morirán antes de llegar a destino, la deprime. El resto de la cinta se enfoca en el descubrimiento del acto egoísta de Jim, los desperfectos de la nave y el intento de ambos de salvarse a sí mismos y a los que viajan con ellos.

El director de la película, Morten Tyldum, ya estuvo nominado el año pasado como mejor director por The Imitation Game y ciertamente con Passengers ha seguido un camino muy diferente, pues los efectos especiales, la visión del espacio, las explosiones y tecnología es utilizada de forma grandilocuente, con una cámara que busca acentuar la intriga y la tensión antes que estetizar la experiencia.

36375-q1Este es un film que entretiene y mantiene la atención del espectador, pues estamos frente a dos personajes bonitos, carismáticos y enamorados, quienes representan a los nuevos Adán y Eva en su lucha por aceptar que esta nave será su paraíso y deben aprovechar al máximo la experiencia de quererse y existir. Lamentablemente la historia se queda en eso, cuando podrían haberse profundizado muchísimas aristas más, explorando la dimensión filosófica de la existencia, del ser humano y el concepto de habitar ciertos espacios.

Con dos nominaciones al oscar en aspectos más bien técnicos (mejor diseño de producción y mejor banda sonora), está bien para un domingo por la tarde, pero está lejos de conquistarnos y quedarse en el inconsciente colectivo como la interpretación de Tom Hanks en Cast Away.

FICHA TÉCNICA

Puntuación OjoEnSerie: 6.0

Puntuación IMDB: 7.0

País: Estados Unidos

Año: 2016

Director: Morten Tyldum (The Imitation Game)

Guión: Jon Spaihts (Prometheus, Doctor Strange)

Reparto: 

Jim  – Chris Pratt (Everwood, Bride Wars, Moneyball, Parks and Recreation, Guardians of the Galaxy, Jurassic World)

Aurora – Jennifer Lawrence (Winter’s Bone, X: First Class, The Hunger Games, Silver Linings Playbook, American Hustle, Joy)

Arthur – Michael Sheen (Underwold, The Queen, Blood Diamond, Midnight in Paris)

Gus – Laurence Fishburne (Matrix, Mystic River, Contagion, Batman V Superman: Dawn of Justice)

TRAILER

Por Catalina Arancibia Durán

La La Land: Here’s to the fools who dream

mv5bmzuzndm2nzm2mv5bml5banbnxkftztgwntm3ntg4ote-_v1_ux182_cr00182268_al_La La Land es un claro homenaje a los glamorosos musicales del Hollywood de los años dorados, con referencias a la emblemática pareja de baile Fred Astaire y Ginger Rogers y al inolvidable Gene Kelly que pasó a la historia en Singin’ in the rain. Referencias como éstas abundan y la estética del film es perfecta, pues aunque se sitúa en la actualidad, el vestuario y el entorno están constantemente recordándonos una época anterior.

La cinta tiene como protagonistas a Mia (Emma Stone) y Sebastian (Ryan Gosling), dos jóvenes con sueños: una aspirante a actriz y un pianista que desea instalar un bar de jazz. La historia sigue sus encuentros y desencuentros, pues el amor no sucede a primera vista y la química de la pareja resulta perfecta para armonizar con las coreografías y canciones que funcionan como contrapunto de las situaciones más importantes de la trama.

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La magia de los musicales, aquellas historias donde todos eran bonitos, perfectos y terminaban felices, sólo funciona como un referente, pues poco a poco se nos instala en las luchas y dificultades por lograr lo que quieres en un mundo inhóspito y lo imposible que puede ser mantener una relación de pareja bajo estas condiciones.

Podemos referirnos entonces a una actualización del musical clásico, en una visión posmoderna de la realidad en que muchas cosas están muriendo (de ahí el intento de Sebastian de revivir el verdadero jazz), donde no todas las escenas de la vida ameritan una canción y donde debe priorizarse la individualidad en una existencia cada vez más competitiva.

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Los personajes están muy bien esbozados, en un arco que nos permite conocer su carácter y aceptar sus acciones, con actuaciones que conmueven, en especial el rostro de Emma Stone al final del film, en que se enfrenta el desenlace feliz con números de baile espectaculares que se espera de un musical y la realidad en un mundo donde muchas veces se debe elegir entre las relaciones y la realización personal.

El director y guionista del film, Damien Chazelle, ya tuvo bastante reconocimiento el año pasado con su aclamada Wiplash, que de sus cinco nominaciones al oscar, recibió tres (mejor actor secundario, mejor edición y mejor mezcla de sonido). Esta vez vuelve a
abordar historias centradas en pasiones, sacrificios y sueños de jóvenes que deben aprender a sopesar sus expectativas y aceptar la vida tal como se les ofrece, con una pareja
protagónica que cautiva y una canción principal maravillosa.

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Con catorce nominaciones al Oscar, La La Land se presenta como una de las favoritas en la próxima entrega y definitivamente se instala como una de las grandes contenedoras, por devolver la magia, ilusión y encanto al cine actual, sin perder de vista una historia sólida anclada a problemáticas universales.

FICHA TÉCNICA

Puntuación OjoEnSerie: 8.5

Puntuación IMDB: 8.5

País: Estados Unidos

Año: 2016

Director: Damien Chazelle (Whiplash)

Guión: Damien Chazelle (Whiplash)

Reparto:

Sebastian  – Ryan Gosling (The Believer, The Notebook, Blue Valentine, Drive,  Crazy Stupid Love, The Big Short)

Mia – Emma Stone (Zombieland, Easy A, Crazy Stupid LoveThe Help, The Amazing Spiderman, Birdman)

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Por Catalina Arancibia Durán

 

 

 

 

Hacksaw Ridge: hasta el último hombre

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Hacksaw Ridge es una historia perfecta para Hollywood: pequeño gran héroe que se enfrenta a los preceptos del ejército y termina salvando vidas y llevando honor a su país. Basada en el caso real de Desmond Doss, la película nos presenta al primer objetor de conciencia que se une al ejército voluntariamente, pero se niega a llevar un arma por sus creencias religiosas.

La cinta es perfectamente redonda: comienza con una escena de guerra ralentizada, una estetización de la violencia muy propia de su director, Mel Gibson, que ya ha hecho lo mismo en Braveheart y The Passion of the Christ. Tras varios minutos de lucha, escuchamos una voz en off que nos habla sobre Dios, mientras la cámara enfoca un cuerpo al que unas voces identifican como Desmond y por medio de un plano aéreo de unas montañas, nos trasladamos a su infancia y a la situación que lo marcó y lo llevó al camino del pacifismo.

v4-2-1200x675-cLa primera parte del film se centra entonces en su juventud, en la relación con su familia y su futura esposa, su alistamiento y las dificultades que enfrenta al mantener sus valores dentro del entrenamiento militar, pero el gran error de la trama es que para cualquier espectador razonable, el hecho de que un hombre con esos ideales se una por voluntad propia a una institución que fomenta la violencia, no tiene sentido y la explicación tarda demasiado en llegar.

Nuestro héroe logra sin embargo sortear el odio de sus superiores, el desdén de sus compañeros y llega a la batalla de Okinawa como médico, pues su objetivo es “dentro del caos del mundo, lograr salvar algunas vidas”. review-hacksaw-ridgeLa segunda parte del film se enfoca en la batalla, en la relación con sus compañeros, el tesón, valor y determinación de Desmond para salvar vidas y cierra con la misma escena del comienzo, para dar paso a grabaciones del verdadero personaje y a quienes lo rodearon.

Las actuaciones están bien, pero todos los personajes parecen demasiado encerrados en sus estereotipos, si bien cabe mencionar la participación de Vince Vaughn como el sargento a cargo, que le da un toque de humor muy sutil a la cinta. El protagonista es presentado desde comienzo a fin como un héroe, sin ningún tipo de matiz que lo vuelva real y la historia se vuelve muy predecible. El punto a favor es el tratamiento estético, pues se percibe un ojo atento a los detalles, al realismo de la batalla y a una cámara consciente que intenta sacar el máximo provecho de cada escena.

64-1Con seis nominaciones al Oscar (entre ellas mejor película, director y actor principal), la cinta promete más de lo que entrega, pues si bien las escenas de guerra son bastantes buenas, se hacen demasiados largas, con demasiado orgullo norteamericano, demonizando a los japoneses como seres despreciables, sin rescatar el sinsentido de un enfrentamiento donde realmente no hay ganadores.

FICHA TÉCNICA

Puntuación OjoEnSerie: 6.0

Puntuación IMDB: 8.3

País: Australia, Estados Unidos

Año: 2016

Director: Mel Gibson (Braveheart, The Passion of the Christ, Apocalypto)

Guión: Robert Schenkkan, Andrew Knight

Reparto:

Desmond Doss  – Andrew Garfield (Boy A, Never Let Me Go, The Amazing Spiderman, Silence)

Tom Doss – Hugo Weaving (Matrix, V for Vendetta, Captain America, Cloud Atlas)

Bertha Doss – Rachel Griffiths (My best’s friend weeding, Six Feet Under, Brothers and Sisters)

Dorothy – Teresa Palmer (I Am Number Four, Warm Bodies, The choice, Lights out )

Sargento Howell – Vince Vaughn ( The Wedding Crashers, The Break Up, The Intership, True Detective )

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Por Catalina Arancibia Durán

 

Santa Clarita Diet: Eat your heart out.

santa-clarita-dietSanta Clarita Diet viene a reformular completamente a uno de los personajes más famosos y utilizados en la historia del cine y la televisión: los Zombies.

Netflix lanzó hace pocos días esta serie que ya tiene revolucionada a la audiencia online, siempre atenta a lo nuevo que va sacando la plataforma. Con un humor más oscuro que la sangre putrefacta de su protagonista, la entrega llegó para sacarle carcajadas a más de alguno y dejarnos con gusto a poco, por lo fácil que resulta devorarse sus diez primeros capítulos.

Su creador, Victor Fresco, ya tiene antecedentes trabajando como productor en series que contienen un humor similar, siendo la más conocida My Name is Earl, y esta vez Fresco no pudo elegir mejor elenco para llevar a la pantalla su idea zombinesca, poniendo al frente a la fabulosa, empática y recontraconocida Drew Barrymore y el extrovertido Timothy Olymphant como protagonistas.

santa_clarita_diet_17012017kg_www-pizquita-com_series_tv_000_3La historia nos posiciona en la vida del matrimonio compuesto por Joel (Olymphant) y Sheila (Barrymore), dos “comunes y corrientes” agentes inmobiliarios que viven junto a su hija Abby en los más típicos suburbios norteamericanos de Santa Clarita, un pueblo que “hasta hace poco, cuenta con un restaurante de comida india”.

Su normalidad pueblerina se ve quebrantada cuándo Sheila contrae un extraño virus que que la convierte en una Zombie muy peculiar, una que por fuera funciona y se ve completamente normal, incluso con mucha más personalidad y energía, pero que tiene un hambre voraz. Como es obvio y de conocimiento general un Zombie necesita de carne humana para sobrevivir y es aquí donde reside el problema de los protagonistas: ambos deberán buscar una alternativa para no convertirse en asesinos “comunes y corrientes” y luego de probar con carne animal y humana putrefacta llegarán a la conclusión de que lo más “correcto” y menos “culposo” será matar personas, personas que merezcan morir.

636190765203063234-scd-101-unit-01100-r-cropEsta situación,más allá de parecer bizarra o terrorífica, termina por ser hilarante y descabelladamente graciosa y para lograr asesinar personas sin ser descubiertos tendrán que idear un montón de planes que tensarán mucho más su drama actual.

Lo anterior, será lo más llamativo de la serie, ya que las cosas se salen de control generando un sinsentido que parece atraparnos a costa de carcajadas, y al igual que los protagonistas, sin sentir un gramo de culpa por cada asesinato o inmoralidad que se va cometiendo.

La química entre los protagonista resulta avasalladora, potenciando la empatía que sentimos por ellos. El resto del elenco no se queda atrás, pues los vecinos de Sheila y Joel resultan personajes muy bien construidos en base a la comedia, siendo la hija de la pareja y su vecino nerd adolescente, un aporte estupendo al desarrollo de la trama, pues nos permite otorgarle otro punto de vista al drama familiar, generando múltiples alternativas, tanto de resolución como de tensión de la trama. Teniendo simultáneamente un enfoque juvenil, adulto y “externo” a la familia, lo que nos permite observar todo tipo de daño colateral que la situación “mamá zombie” pueda generar.00-social-still-santa-clarita-diet-netflix-drew-barrymore

Lo bueno de todo esto es que por muy cliché que en algún punto nos parezcan los personajes o las situaciones, nos daremos cuenta que dentro del guión no existe nada gratuito, ni que esté ahí porque sí, todo está conectado y muy bien posicionado, patentando un sentido dramático global y redondo, que termina por opacar lo cliché. Presentándose tópicos recurrentes como el amor, la familia, la revalorización de la vida y la amistad.

drew-barrymore-eats-humans-in-santa-clarita-dietOtro punto a favor de la entrega es que por muy irónica, negra o sinsentido que parezca, nos logra introducir en una realidad que creemos posible y nos hace empatizar con los personajes, y no es solo a través de lo bizarro o jocoso, sino que logra enternecernos con las relaciones interpersonales que aquí se generan, pues si algo hay entre la pareja, además de discusiones cotidianas y un desastre emocional a partir de su nueva realidad, es amor, permitiendo que además de reírnos, logremos conectarnos con los sentimientos de cada uno de los protagonistas.

Por otro lado, la estética de Santa Clarita Diet, resulta ser un pro para la serie, pues es muy limpia y clarificadora a la hora de generar un contexto dramático. Estampando un suburbio que resulta de ensueño, representa claramente el “Sueño Americano” satirizado, logrando ser un aporte extra a las situaciones jocosas dentro de la comedia, con planos generales o aéreos que nos contextualizan perfectamente y nos entregan un sentimiento de “normalidad”, cercanía y cotidianidad.

49537861-cachedResulta además muy adecuado el sinsentido dentro de la serie, puesto que la trama (el zombie reformado) es algo completamente nuevo, ya que se observa desde un punto de vista distinto, sin ahondar tanto en lo grotesco y deformado del personaje. Si bien, vemos a la protagonista ingiriendo sesos, intestinos y un montón de dedos de personas ajenas, la situación se normaliza. Sheila es una zombie reformada en aspectos más bien positivos, pasando de una mujer atormentada por las convenciones sociales a ser una completamente renovada, libre y dichosa de la vida, quitándole negatividad a la cualidad de ser un “muerto viviente”.

Por último, es curioso y a modo de dato, que el protagonista consuma marihuana, contrapiéndolo a lo irónico de las situaciones que se van generando. Para fanáticos de la cannabis y la comedia, esta es una serie ideal para perderse frente al televisor con buena comida (a menos que sean asquientos), un buen porro y la mandíbula preparada para soltar carcajadas por diez capítulos consecutivos, pues hay situaciones que se generan dentro de la serie que pareciesen estar hechas para una comprensión de la realidad “desvirtuada” gracias a los efectos de la marihuana.

FICHA TÉCNICA

Puntuación OjoEnSerie: 8.0

Puntuación IMDB: 8.0

País: Estados Unidos

Año: 2017

Creador: Victor Fresco (My name is Earl)

Reparto: 

Sheila – Drew Barrymore (Donnie Darko, Scream, Charlies Angels, Never Been Kissed)

Joel – Timothy Olyphant (My Name is Earl, Justified, Hitman, I am Numer Four)

Abby  – Liv Hewson (DramaWorld, Before I Fall)

Eric – Skyler Gisondo  (Vacation, Night at the Museum, The Amazing Spider Man I – II)

TRAILER

Por Werner von Mayenberger Risi

Indignation

indignation-710128442-largeBasada en la novela de Phillip Roth, Indignation hace un retrato de Estados Unidos en los años cincuenta en plena guerra contra Corea. Marcus, un joven judío de clase trabajadora, entra becado a la universidad y debe lidiar con una realidad que no le satisface. Inteligente, ateo y de pocos amigos, prefiere mantenerse alejado de las multitudes, por lo que se niega a ser parte de la fraternidad judía y mantiene un objetivo claro: estudiar y trabajar.

Las cosas dan un giro cuando conoce a Olivia Hutton, una bella y perturbada chica que lo deslumbra y asusta con su sexualidad. Marcus es inocente e inexperto, pero poco a poco comienza a enamorarse de esta enigmática y problemática mujer y a complicar su tranquila vida.

El protagonista choca tajantemente con este mundo reglamentado en que los estudiantes son obligados a asistir a misa y deben seguir estructuradas reglas de conducta, en las que se delimitan las salidas, las entretenciones y la existencia entera. En Olivia encuentra a alguien que lo comprende, como se puede ver en sus palabras: “No eres un alma sencilla y no deberías estar aquí. Si sobrevives lo cuadrado de este lugar, tendrás un brillante futuro. ¿Por qué viniste aquí? Yo vine aquí porque es tan común y eso se supone debe convertirme en una chica normal, pero tú…tu deberías estar estudiando filosofía en La Sorbonne y viviendo en un desván en Montparnasse…”.

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Las actuaciones cumplen a cabalidad con la representación esperada y el casting es de un acierto tremendo, pues Logan Lerman tiene el aire inocente y juvenil perfecto para este rol, tanto como Sarah Gadon puede desdoblarse en una femme fatal y frágil chica al mismo tiempo. Los secundarios como los padres, el rector y los compañeros de cuarto desempeñan maravillosamente sus escasas escenas. La música está muy bien utilizada, pues la mayoría de la película carece de sonidos externos y sólo se utiliza la banda sonora para remarcar ciertas situaciones de importancia dramática.

Se tocan temas como el amor y la libertad en un mundo sumido en una guerra que atrapa a los individuos y una sociedad que delimita y cataloga sin consideraciones. Marcus intenta escapar de esto y su intento es la materia de la que se compone esta cinta en la que los primeros planos y las largas secuencias meditativas se intercalan con apasionados conversaciones que pretenden la reflexión del espectador.

screen-shot-2016-08-15-at-7-09-23-pmA pesar de todas estas cualidades, la película en general es de ritmo lento y cuando finalmente la acción toma un giro interesante, abruptamente llega el final. A pesar de que la trama es perfectamente redonda, pues la cinta comienza por el desenlace y todo adquiere sentido en los últimos minutos, deja una sensación de vacío argumental.

Indignation tiene algunos de los mejores diálogos en el cine de los últimos años, y quizás el problema fue ese: el filme se quedó atrapado en su referente literario y le faltaron alas para alcanzar alturas cinematográficas y convertirse en un ente autónomo.

FICHA TÉCNICA

Puntuación OjoEnSerie: 6.5

Puntuación IMDB: 7.0

País: Estados Unidos

Año: 2016

Director: James Schamus

Guión: James Schamus (adaptación), Phillip Roth (novela)

Reparto:

Marcus – Logan Lerman (The perks of being a wallflower, Fury, Noe)

Olivia – Sarah Gadon (Dream House, Enemy, Belle)

Decano  – Tracy Letts (Homeland, August Osage County, The Big Short)

Esther – Linda Emond  (The Good Wife, Jenny’s Wedding, The Blacklist)

TRAILER

Por Catalina Arancibia Durán

The Daughter: Keep your family close and your secrets closer

mv5bmty2mza0mtuyml5bml5banbnxkftztgwmtkymjeynze-_v1_sy1000_cr007011000_al_Esta producción australiana está realizada con gran mesura y plasticidad, arrastrándonos poco a poco en un conflicto que deslumbra gracias a sus magníficas interpretaciones. Basada en la obra El pato salvaje de Henrik Ibsen, la trama se desenvuelve de forma trepidante planteando dilemas morales que convertirán en partícipe y juez al espectador.

La historia comienza cuando Christian vuelve a casa tras una larga ausencia. Henry, su padre y el hombre más rico y poderoso de la ciudad, va a casarse con una mujer que podría ser su hija. De casualidad se encuentra con su mejor amigo de infancia Oliver y comienza a compartir con él y su familia (su padre Walter, su esposa y su hija). Algo extraño se palpa en el ambiente, algo indefinible que con gran pericia la cinta se demora en develar.

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Los secretos agobian a ambas familias, infidelidades, traiciones y muertes que resurgirán con la llegada del ahora forastero, que acarrea sus propios fantasmas personales. La cinta sugiere con gran sutileza la problemática de la verdad y la mentira: ¿es mejor vivir feliz, pero ignorante de los hechos? O ¿es preferible saber y aceptarlo en nuestros propios términos? ¿Está en manos nuestras revelar secretos ajenos? ¿Es realmente justo para los engañados? Estas preguntas quedan suspendidas mientras se desata la catástrofe, reafirmando aquella máxima que asegura que la verdad siempre termina saliendo a la luz.

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Las actuaciones acompañan muy bien al drama, representando personajes muy reales y multifacéticos. A pesar de que caen en algunos estereotipos (Henry como el poderoso distante y engreído o Hedvig como la adolescente enérgica y rebelde), la caracterización acompaña al drama y realiza un arco perfecto, coherente a las personalidades tan sutilmente esbozadas.

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Un detalle interesantísimo es el derrumbe de la ciudad junto con sus protagonistas. Tal como en los dramas naturalistas que escribía Ibsen, el ambiente se convierte en un contrapunto de los hechos, ya que al comienzo de la narración la fábrica del padre de Christian cierra, dejando a miles sin trabajo ni expectativas, sumiendo a la población en la incertidumbre. Asimismo, el santuario en que Walter y Hedvig rescatan animales accidentados, nos entrega un referente simbólico en el pato herido por un disparo de Henry, tal como los demás han sido afectados por su comportamiento.

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Siguiendo esta línea, la película opta por tonalidades oscuras, mostrando siempre lugares con poca luminosidad y ambientes abiertos sellados por escalas de grises o más bien lúgubres. La cámara se mueve con destreza y lentitud, y se vuelve caótica en los momentos de máxima tensión, en una historia que omite mucho, dejando en constante suspenso al espectador.

222141-jpg-c_300_300_x-f_jpg-q_x-xxyxxUna cinta de ritmo lento, en donde la trama engaña y el verdadero conflicto explota afectando a todo el ambiente representando, con personajes que aman, sufren y sienten al extremo, entregándonos un final abierto que vuelve a plantearnos preguntas y reflexiones. Muy recomendable.

 

 

FICHA TÉCNICA

Puntuación OjoEnSerie: 7.5

Puntuación IMDB: 6.8

País: Australia

Año: 2015

Director: Simon Stone

Guión: Simone Stone (adaptación), Henrik Ibsen (obra)

Reparto:

Henry – Geoffrey Rush (Elizabeth, Shakespeare in love, Pirates of the Caribbean Saga, The King’s Speech, The Book Thief)

Christian – Paul Schneider (The family Stone, Lars and the real girl, Water for elepants)

Oliver  – Ewen Leslie

Hedvig – Odessa Young

Walter – Sam Neil (Jurassic Park,, Wimbledon,The Tudors, The Vow)

Charlotte – Mirando Otto (War of the wolrds, I Frankenstein, Homeland)

TRAILER

Por Catalina Arancibia Durán

3%: La igualdad es una ilusión convincente.

mv5bytezowyzzdktotkzzc00ztcylthjzdytnda2y2y1ytcxmznlxkeyxkfqcgdeqxvymtkzoduwnzk-_v1_Las distopías están de moda, y aunque podríamos decir que no es del todo una moda nueva, ya que películas como Hunger Games, Divergent, V for Vendetta, The Matrix y por último el clásico cinematográfico Metropolis han representado sociedades indeseables. El ficcionar estructuras de tal manera que representen, y sobretodo extremen los vicios morales de nuestra sociedad a través de una regulación que beneficia tan solo a una parte de los miembros de esta sociedad ficticia, y estableciendo un orden jerárquico a través de una reestructuración política y social que no sería arbitraria, hoy por hoy, nos viene a hacer más sentido que antes.

3% primera serie brasileña original de Netflix, es muestra de esta necesidad cinematográfica de purga social, posicionandonos en un futuro en donde existe una sociedad que está dividida en “dos lados”, uno ubicado en el “continente” donde reside el 97% de la población unificado por la devastación y la pobreza, mientras que existe otro establecido con tan solo en 3% de la población en una isla en Alta mar, donde se instaura y mantiene “el progreso”.

Dentro de la ficción el 3% beneficiado dentro de este mundo distopíco, es seleccionado al cumplir 20 años a través de lo que llaman “El Proceso”, que contempla una serie de pruebas donde se explotan las capacidades sociales, emocionales, físicas y psicológicas de cada participante, para ver si realmente son “lo mejor de la sociedad” y contienen el “mérito” necesario para formar parte del 3% más privilegiado. Patentando así la “igualdad” a través de la posibilidad que posee cualquier ser humano a pasar por “El Proceso” al menos una vez en la vida.

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Lo increíble de esta primera producción brasileña para Netflix no es su “originalidad” puesto que muchos de sus elementos podemos reconocerlos en un sinfín de producciones anteriores al rededor del mundo, sino que destaca por su calidad y estructura cinematográfica. Síndrome de esto es que en un comienzo, para aquellos que estamos acostumbrados a ver producciones completamente en ingles, el seguir una trama en portugués nos puede resultar tedioso, pero una vez que nos introducimos por completo en la trama, el idioma pasa a segundo plano, demostrando que la serie no tiene nada que envidiarle a las creaciones gringas. Una puesta en escena que cualquier productor latinoamericano envidiaría, con actuaciones que se encuentran a la altura de una superproducción y una trama que envuelve y nos mantiene atentos durante todo “el proceso” al que los personajes se son enfrentados, demuestran que Netflix no discrimina presupuestos en realizaciones internacionales.

mv5bnwvjzjfiy2etn2y1zi00ytnkltk2ogqtmdm3mjzjzwfmndzil2ltywdll2ltywdlxkeyxkfqcgdeqxvynju5nzg2mda-_v1_De esta forma, no nos resulta difícil empatizar con los personajes y es gracias a sobretodo esta distopía que nos cuestionamos nuestro actuar y vemos representados valores morales mundiales en pantalla, que nos llevan a preguntarnos qué haríamos si nos viésemos enfrentado a las situaciones que aquí se representan.

Destacar sobretodo, lo entrañable que resulta que el escenario esta vez esté contextualizado en Brasil, alejándonos en este sentido de la típica producción hollywoodense.

3% está basada en una película brasileña que lleva el mismo nombre, estrenada el 2011 y que   lamentablemente no podemos encontrar en la plataforma digital.  Ambas producciones están creadas por Pedro Aguilera, quien no tiene un gran repertorio televisivo ni cinematográfico. Sin embargo, dentro del elenco podemos reconocer algunos rostros como el de Bianca Comparato, gracias a su actuación en Av. Brasil. 

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3% una serie que vale la pena ver, una trama que vale la pena explorar, donde se exponen teorías sociales y de comportamiento grupal bastante interesantes que nos atrapan y no nos dejan indiferentes. Todo un logro para la televisión e industria brasileña. Sí te gusta este tipo de producciones llenas de acción, intriga y críticas sociales evidentes, debes darle play.

FICHA TÉCNICA

Puntuación OjoEnSerie: 7.5

Puntuación IMDB: 8.0

País: Brasil

Año: 2016

Creador: Pedro Aguilera (3% Movie)

Reparto: 

Ezequiel – João Miguel (Estõmago)

Michele Santana – Bianca Comparto (Av. Brasil)

 

TRAILER

Por: Werner von Mayenberger Risi