Call Me By Your Name: la historia de un amor universal.

Luca Guadagnino, director italiano, se posiciona hoy como uno de los favoritos de los Oscars de este año y no por menos, uno de los más devastadores y románticos, pues más allá de poner en pantalla un romance homosexual, ha logrado llevar a las salas de cine una de las adaptaciones románticas más universales de los últimos años.

Call Me by Your Name, basada en la novela homónima de André Aciman, nos cuenta la historia de Elio, un joven de 17 años que se enamora de Oliver, un guapísimo estudiante norteamericano que va a terminar su doctorado a la casa de sus padres ubicada en la hermosa región de Liguria, Italia.

De esta forma, la película nos envuelve con hermosos parajes que evocan y refuerzan un romance que se posterga a lo largo de la película, hundiéndonos en nuestros asientos esperando ese beso, el contacto carnal y la concreción de lo que se va gestando a medida que avanza el filme. Ambientado en 1983, el escenario nos lleva a revivir una época que cada día que pasa parece más lejana, en donde el contacto visual, el diálogo y las anécdotas del cotidiano, se alejaban de las redes sociales y la impersonalidad que reina en la actualidad.

Un amor, sin duda adolescente, que nos llega a todos, pues parece una representación global, al encarnar personajes sumamente interesantes que más allá de expresarse libremente, se comunican a través de pequeños gestos que funcionan bajo la dinámica de un primer y tímido amor, que aun cuando fuese platónico (en nuestros casos), resulta por ser un primer enamoramiento inolvidable, sobre todo, cuando hablamos de dos enamorados que se distancian en edad. Así, el filme nos va introduciendo de manera muy lenta y pausada, casi contemplativa, en el núcleo de un romance que hará crecer y madurar sobre todo a Elio a través de una desilusión amorosa, que no se presenta como algo devastador hacia su yo exterior, sino hacia lo más profundo de su corazón, y que finalmente, como para todos, resulta necesario.

De esta forma, la cinta se centra en el deseo encarnado en el cuerpo y la esperanza del contacto. Con una actuación sumamente conmovedora, Timothée Chalamet nos transmite esa necesidad silenciosa y juvenil, casi desesperada del tacto. Mientras que el director a través de la composición estética de cada uno de los cuadro nos invita a observar el fruto de ese deseo, contemplativo, erótico que representa Oliver.

Si bien, la película cuenta con todos los recursos para crear una sinfonía amorosa en donde la plasticidad, la música y los diálogos nos cautiven, muchas veces produce un agotamiento emocional y mental que agobia, pues el relentí de la trama a ratos, nos cansa o aburre, más aún cuando estamos acostumbrados a películas y romances más dinámicos.

Con diálogos que en instancias rayan en un coqueteo existencialista juvenil, la película deja tramas abiertas y misterios sin resolver  (como la sexualidad del padre), pero patentando esa primera necesidad carnal que a veces nos lleva a sentir vergüenza y a acallar emociones que ojalá en nuestra adolescencia pudiésemos haber concretado.

Por otro lado, y es imposible no destacarlo, el filme nos lleva a enamorarnos y sumergirnos en el verano italiano – francés que cautiva y germina en nuestros corazones emociones que parecen olvidadas de nuestra juventud, con una contemplación corporal digna de la cultura grecorromana y con una musicalidad que evoca al cine europeo de antaño. Call Me By Your Name, es una película que vale la pena contemplar para recordar esos años en los que el amor se vivía para conocer, crecer y más que nunca, evolucionar.

Dato OjoenSerie: según planteó su director en  un coloquio realizado en el Festival de Cine BFI de Londres, no descarta la posibilidad de realizar una segunda parte de la película, ambientada siete años después de la bajada de telón de esta entrega.  Sabemos que las segundas partes muy pocas veces superan a sus predecesoras,  por lo que esta noticia no resulta muy alentadora. Esperamos que Guadagnino, no asesine la atmósfera que generó Call Me By Your Name, dándonos respuestas que muchas veces no son necesarias, convirtiendo a su película en el Before Sunrise de nuestra década.

FICHA TÉCNICA

Puntuación OjoEnSerie: 7.5

Puntuación IMDB: 8.3

País: Estados Unidos

Año: 2018

Director: Luca Guadagnino (Io sono l’amore, A Bigger Splash)

Guión: James Ivory

Reparto:

Elio – Timothée Chalemet (Lady Bird, Interstellar, Homeland)

Oliver – Armie Hammer (The Social Network, Nocturnal Animals, Gossip Girl)

Mr. Perlman – Michael Stuhlbarg (The Shape of Water, The Post, Doctor Strange)

 

TRAILER

Por Werner von Mayenberger R

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The Post: los archivos del Pentágono

The Post, la última producción de Steven Spielberg, resulta un alegato de libertad de expresión en el Estados Unidos de Trump. Con la participación de varios actores consagrados, como Meryl Streep y Tom Hanks, se posiciona como una de las favoritas para mejor película en los próximos premios Oscar.

La historia sigue el caso real que enfrentó a dos medios de comunicación (el New York Times y el Washington Post) contra el gobierno de Nixon, debido a la publicación de material secreto que podía poner en riesgo la integridad del país. El estudio hacía alusión a la guerra de Vietnam y al hecho de que se sabía con anterioridad la imposibilidad de ganarla, y sin embargo, se siguió enviando inocentes a morir por una causa que la población no comprendía.

La cinta nos muestra el poder de los periódicos en aquellos años, y cómo a través de este caso se logró la deseada libertad de prensa, aunque perjudicara al gobierno de turno. El tema no deja de ser relevante, en especial en la actualidad, donde la información puede distribuirse de manera bastante fácil por internet, pero aun así han existido casos emblemáticos como el de Julian Assange, perseguido por difundir información confidencial en el sitio WikilLeaks.Uno de los grandes defectos de la cinta es su ritmo, pues se siente caótica y con exceso de información, así como también le cuesta decidirse por un protagonista, y nos muestra además demasiados personajes en los que no profundiza, muchos de la vida real, que no necesariamente todo espectador reconocerá de inmediato, y que requiere de alguien muy atento e informado para seguir la trama.

Asimismo, la cinta intenta construir una cierta mística alrededor de esta historia, con una buena dosis de patriotismo (infaltable en Hollywood), mostrando a la prensa como la salvadora de la población y la gran detractora de la corrupción del gobierno. Si bien este caso caló hondo en la sociedad, pues la guerra de Vietnam fue bastante repudiada, en especial por el movimiento hippie de aquellos años, el efecto esperanzador no se logra y deja poco satisfecho al espectador con un final bastante predecible.

Queda rondando la duda de por qué la cinta se centró en el periódico local The Washington Post, cuando el primero en publicar sobre el tema y ser atacado por el gobierno fue el New York Times, pero lo importante es observar como la unión de todos los medios finalmente logró la presión necesaria para otorgar los derechos que la constitución prometía.

Hacia el final, la película parece decidirse por el personaje de Meryl Streep e intenta dar una visión de mujer empoderada, que se enfrenta a los cánones patriarcales del periodo y demuestra que puede estar al mando de un negocio dominado por hombres. Es una interesante adición a una cinta más que nada informativa sobre un caso bastante polémico en la historia de la prensa estadounidense, pero no alcanza para llevar el filme a las alturas que auguran dos nominaciones.

FICHA TÉCNICA

Puntuación OjoEnSerie: 5.8

Puntuación IMDB: 7.4

País: Estados Unidos

Año: 2018

Director: Steven Spielberg (E.T., Schindler’s List, Saving Private Ryan, Catch me if you can, Munich, saga Indiana Jones, saga Jurassic Park).

Guión: Liz Hannah, Josh Singer (Spotlight)

Reparto:

Kay Graham – Meryl Streep (Kramer v/s Kramer, Sophie’s choice, The house of the spirits, The bridges of Madison County, The devil wears Prada, The hours, Mamma mia!, Iron Lady)

Ben Bradley – Tom Hanks (Big, Forrest Gump, Saving Private Ryan, You’ve got mail, The Green Mile, Castaway, Catch me if you can, The Da Vinci Code, Captain Philliips)

Ben Bagdikian – Bob Odenkirk (Better Call Saul, Nebraska, Breaking Bad)

Robert McNamara – Bruce Greenwood (Star Trek, American Crime Story, Gerald’s Game)

Abe – Terence Stamp (Star Wars: Episode I, Yes Man, Smalville)

TRAILER

Por Catalina Arancibia Durán

The Shape of Water y el afán inclusivo de los premios Oscar de este año:

El teatro, el cine, la literatura y el arte en general, aunque se discuta, siempre ha tenido un vínculo irrefutable con su contexto y con la sociedad que se gesta a su alrededor, como se puede ver en las nominaciones al Oscar de este año, que sin dudarlo y casi a propósito, han propuesto películas que son reflejo de una de las principales necesidades de nuestro entorno: la inclusión y el respeto por la diversidad.

Es por esto, que no nos parece extraño que Guillermo del Toro, sincronizado con una necesidad social, logre posicionarse como el favorito de los críticos y el público, presentando un filme que engloba todo lo que los premios de la academia pretenden destacar este año: personajes segregados, empoderados; que hablen de su sexualidad libremente y que se posicionen sobre un mundo que parece ser arcaico y falto de comprensión, con villanos que no presentan ningún tipo de matiz, separando casi absolutamente lo “bueno” de lo “malo” y dando una visión, que en efecto, promueve la inclusión, pero que parece absoluto.

De esta forma, la talentosa Sally Hawkins, encarna a Elisa Esposito, un personaje que pertenece los sin voz (literalmente), que resulta en suma adorable, cercano y sobre todo humano, que luego de los primeros quince minutos, cala hondo en nuestros corazones. Elisa es un alma noble, cuida a su vecino (un artista homosexual frustrado), y escucha pacientemente los alegatos de su compañera de trabajo negra que segregada por la sociedad contextual del filme y disminuida por su marido que “no la escucha”, se la lleva reclamando frente a lo que nuestra protagonista solo sonríe.

Elisa trabaja en el servicio de limpieza de una instalación militar donde conoce a un peculiar “hombre pez” que termina por enamorarla. Así, el personaje se nos presenta dentro de una dinámica de cuentos de hadas, que si bien, es repetido, encaja perfecto en nuestra sociedad actual. La película incluso, comienza con una narración de voz en off, que prelude los acontecimientos, y nos informa que lo que vamos a ver es, en efecto, “un cuento de hadas”, siendo inevitable pensar en el cliché de la Bella y la Bestia, y relacionar la mudez del personaje hasta con La Sirenita, pues Elisa es una fan acérrima de los musicales y el Tap, de las películas románticas y aunque no se nos informe, sabemos que es una enamorada del amor y lo encontrará en el lugar menos esperado.

Así, del Toro nos presenta una fantasía donde la inclusión, el respeto y el amor, se patentan como núcleo dramático. Para ejemplificar lo anterior, enfoquémonos en la relación sexual que mantiene la protagonista con la “bestia acuática”, situación que no pasa desapercibida para los espectadores, y mucho menos para los personajes, quienes, al no emitir un juicio de valor, destacan la idea de un amor sin barreras (en su forma y contenido), resultando de esto algo único y pocas veces antes visto en pantalla.

Por otro lado, el mismo personaje acuático, en este caso la bestia, se presenta como una metáfora inclusiva, pues “a primera vista”, no expone su valor y se nos muestra tal como el resto lo ve: como algo barbárico, anecdótico, desconocido, pero a medida que avanza el filme vamos viendo que esta extraña criatura trae consigo “súper poderes” que terminan por representar: “lo bello que está detrás de las cosas que a primera vista nos parecen extrañas”.

El villano por su parte, refuerza nuestra teoría, ya que se posiciona como algo absoluto, ciego, y determinista. Michael Shannon, es el encargado de dar vida a Richard Strickland, el encargado del proyecto que Elisa pretende proteger. Richard no tiene alma, es materialista, machista, y no presenta ninguna debilidad, ni matiz, presentándose como un mal oscuro, terco y demasiado extremista (a mi gusto), un Pastor Soto cualquiera (dirían), pues aun cuando se nos muestra en familia, con una mujer e hijos, no se deja espacio para dudar de su maldad, y ni siquiera se justifica, terminado por ser, odio e incomprensión pura, contraponiéndose al personaje de Elisa, que acepta lo que sea, como sea.

Entonces, The Shape of Water, viene a ser una demostración de lo solos que hemos estado en el mundo, preocupados de nosotros mismos, y de los defectos del resto. Elisa, por primera vez no se siente sola, Elisa por primera vez siente que la comprenden, que la escuchan como solo ella ha sabido escuchar.

Finalmente para terminar-refirmar el trendingtopic de los Oscar, basta decir que The Post, que aborda el empoderamiento femenino, Call Me by Your Name, que nos muestra un amor de verano homosexual, al más puro estilo del cine de autor italiano de antaño, Get Out que metaforiza la opresión de los negros, Lady Bird, con la incomprensión adolescente y nuestra nominada nacional Una Mujer Fantástica con una protagonista transexual (no seguiremos repitiendo), nos dejan en claro que este año, el gran ganador resulta ser todo aquel que en algún momento se sintió fuera de este mundo, y aunque del Toro no es novedoso incluso en su historia (existe un corto que presagia -bastante- su película: click aquí), logra darle voz a quienes más han gritado este último tiempo.

FICHA TÉCNICA

Puntuación OjoEnSerie: 7.0

Puntuación IMDB: 7.8

País: Estados Unidos

Año: 2017

Director y guion: Guillermo del Toro (El Laberinto del Fauno, Don’t Be Afraid of the Dark, Crimson Peak)

Reparto: 

Elisa Esposito – Sally Hawkins (Godzilla 2014, Blue Jasmine, Maudie, Paddington I y II)

Richard Stickland – Michael Shannon (Take Shelter, Midnight Special, Nocturnal Animals)

Zelda Fuller – Octavia Spencer (The Help, Gifted, The Free World, The Divergent Series)

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Por Werner von Mayenberger Risi

Mother! Entre lo Santo y lo Profano. Un reflejo de una sociedad en decadencia.

motherposterMother! es la última película dirigida por Darren Aronofsky, que como antes, hoy nos hace peinar la muñeca, un poco por su llamado a interpretar su juego creativo propuesto en pantalla, y aquí te mostramos qué es lo que pudimos ver, respecto de lo que el director nos quiso presentar.

Una película llena de simbolismos protagonizada por Jennifer Lawrence y Javier Bardem, que por supuesto tiene un final abierto y una narrativa circular que nos ayuda a jugar un poco al momento de forjar nuestras propias interpretaciones. Dejando en claro antes de empezar, que nada de lo que se vierte aquí es algo nuevo u absoluto, es solo nuestro punto de vista respecto de una película que está dando mucho que hablar, y sobre todo, que pensar.

 

Mother! y la Biblia

Primero citaremos al director que nos dice qué: “la estructura del filme fue La Biblia, y la usé para contar la forma en que los humanos vivimos en la Tierra”, y de aquí partiremos.

Lawrence está remodelando la casa (La Tierra), que espera “sea un paraíso”, luego de un incendio que sabemos sucedió antes, pero no sabemos mucho por qué ni cómo. Bardem por su parte, es un poeta famoso, que ve truncada su capacidad creativa y busca constantemente inspiración para lo que él dice es su fin en la vida: crear. Por lo tanto, tenemos en primera instancia un dios creador, simbolizado por un poeta que junto a su mujer buscan crear un paraíso propio luego de una tragedia que los obliga a “empezar de nuevo”. Pensando bíblicamente “cuando todo era un caos”.

A medida que avanza la trama no entendemos muy bien por qué, pero llega un primer extraño que dice estar perdido. Ed Harris, actor que encarna a “Hombre” simboliza a Adan, qué llega a la tierra, pero un Adan del que Lawrence desconfía, ya que se ve muy extraño y está lleno de vicios que ella no comparte, como el cigarrillo y el alcohol. Bardem de todas formas invita al extraño a quedarse en la casa, extraño que resulta ser un admirador del poeta como creador y provoca en él los primeros atisbos de creatividad, pues siente la casa viva y llena de experiencias ajenas que él puede tomar y utilizar, para luego crear.

maxresdefaultMichelle Pfeiffer representa a Eva o “Ella”, que llega a la casa a buscar a su marido después de que en una escena a Ed se le viera (y perdiera) una costilla, mientras vomita en el baño (muy literal). Al llegar Pfeiffer, cuenta que el amor con su marido fue a primera vista, casi como si hubiesen sido puestos uno frente al otro, muy Adán y Eva. Así Eva pone más incómoda aún a Lawrence que ve que su casa se llena de gente que es muy rara, ajena e impura. Pues Pfeiffer representa la lujuria, la Famme Fatale, el egoísmo y la falta de empatía.

Aún así el poeta les permite quedarse, pues quiere “llenar de vida” la casa, quiere que las ideas fluyan.

Otro de los links bíblicos es la oficina del poeta, lugar dónde ocurre la creación, una reinterpretación del paraíso, ya que esta oficina emboba a Adán y Eva. Bardem incluso, les muestra una piedra hermosa y muy simbólica para él, resultado del anterior incendio ocurrido en la casa (o en la tierra) que guarda celosamente en su oficina (o paraíso), con la que Pfeiffer se obsesiona, aun cuando Lawrence le prohíbe la entrada al lugar sin que esté su marido presente. Por supuesto, la mujer termina rompiendo la piedra (el fruto prohibido), desatando la ira del dueño de casa quien clausura su oficina llenando de tablones la puerta. Lawrence intenta expulsarlos de la casa, sin lograrlo y Bardem los perdona.

Aquí el perdón es muy importante ya que explica el porqué de la permanencia de los otros personajes en escena. Ya que nuestro dios tiene una capacidad enorme para perdonar, sentir empatía y cuidar a sus invitados. Pues como hemos reiterado, son quienes le dan vida su espacio.

c278b6aa16554953ae15999a81f697a8Así con los días llegan los hijos de Pfeiffer y Ed Harris, que son una clara representación de Caín y Abel, pues el hermano mayor está celoso del menor, ya que es más idóneo para heredar “el negocio” del padre enfermo. Acá el hermano menor es evidentemente el preferido, y tal cuál ocurre en la Biblia, termina por ser asesinado por su hermano mayor (quien debía cuidarlo), con un golpe en la cabeza. Finalmente, el hermano mayor, debe “vagar por el mundo cargando con la culpa”. Otra cosa muy bíblicamente literal.

Es aquí donde comienza a conformarse la tragedia, sobre todo para Lawrence que ve que su casa es cada vez más invadida, que su marido no la toma en cuenta para las decisiones, y que incluso ni siquiera la desea.

En el lugar donde muere el hijo menor queda una gran mancha de sangre que Lawrence lucha por sacar sin éxito. Simbolizando el nacimiento del infierno, pues la mancha se transforma en un hoyo que da hacia el sótano, y que ayuda a Lawrence a descubrir una caldera que más adelante será la detonante de la destrucción total o el Apocalipsis. Una manera muy creativa de representar al infierno. Es más, esta mancha aparece en dos oportunidades en la película y se relaciona netamente con los “vicios” del mundo que nacen a partir de la muerte y el asesinato entre hermanos, que debían amarse.

mother-1Luego y aunque parezca insólito, el dueño de casa permite que Pfeiffer y Harris realicen el velorio de su hijo en el hogar que han estado “destruyendo”. Lawrence comienza a colapsar y aparecen más personajes que vienen a representar los errores humanos y los vicios sociales que terminarán por destruirnos como sociedad.  Personajes que pintan, destruyen y enturbian la casa en la que Lawrence ha trabajado tanto.

Aquí es donde el agua toma muchísima importancia, ya que, Larewnce les advierte a unos invitados que no se sienten en el lavaplatos pues no está bien agarrado, pero estos no escuchan y representan la necedad y sordera social característica del antiguo testamento y lo terminan por romper y destruir las cañerías de la casa.

Siendo aquí donde Lawrence expulsa a todos de su casa y su marido la apoya, la casa se moja entera, afuera llueve muchísimo y deben abandonar el hogar. Representando claramente la idea del diluvio.

Hasta aquí todo bien. La pareja por fin recupera la tranquilidad. Ambos tienen sexo y concluye en un embarazo. (Nuevo testamento)

imagesDe aquí en adelante la interpretación es clara. Lawrence lleva en su vientre al hijo de dios. Este está tan feliz que se inspira y termina por fin su obra maestra: los diez mandamientos.

Lawrence al ver la obra terminada, leerla y analizarla, llora diciendo que, teme perder a su marido. ¿Por qué? Pues porque como ella dice: “esto es demasiado”. Bardem publica la obra incluso sin saber si su público está preparado para ella. Esto asusta a Lawrence. La primera edición de la obra se vende inmediatamente y Lawrence se convierte en la inspiración principal, pues representa el amor.

Así comienza nuevamente la tragedia, gente de todo el mundo viene buscando a su salvador, los diez mandamientos producen un impacto real en el público y comienzan a llegar a la casa felicitando a su creador, y hasta aparece una editora que representaría a Moisés su fiel seguidor.

De aquí en adelante todo se vuelve muy simbólico, pues Lawrence embarazada, debe vivir la progresión de Jesús hasta la cruz y su posterior muerte. Vemos el nacimiento de este casi literalmente en un pesebre donde llegan regalos y existe un momento de calma (momentánea). La madre busca proteger al hijo y el padre busca mostrarlo a su público o seguidores. Existe una lucha entre ambos y finalmente Lawrence se duerme (no vence) y  su marido termina por entregar a la humanidad su propio hijo, quienes terminan asesinando al bebe de una manera muy escabrosa y tormentosa. Llega el momento de la crucifixión.

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Desde aquí todo empeora, pues la ahora Madre Tierra (Lawrence) se ve sobrepasada y por primera vez en toda la película asume el hogar como suyo y en medio del desastre decide echarlos ella misma. Aun así, no lo logra y termina siendo pisoteada por una humanidad (literalmente una humanidad dentro de una casa) que es egoísta y no se preocupa por nadie más que por ellos mismos y su bienestar.

Por último, Lawrence termina bajando al sótano, entrando al infierno y utilizándolo para poder liberarse del lugar que ni dios le permite abandonar. Así quema por completo la casa y lo que ella contiene. Bardem que no sufre ni un rasguño toma a Lawrence y la lleva calcinada y moribunda a lo que queda del paraíso (su oficina). Lawrence muy apenada le indica que ya “no le queda nada para entregar”, lo que nos entristece (espero a todos), pues ella agotó todos los recursos para lograr la felicidad de ella y su marido. Crear su paraíso.

Sin embargo, Bardem quiere aún algo que Lawrence tiene, y es el amor que aún queda en su corazón. Ella, ya cansada se lo entrega frente a la insistencia de su marido que indica: “que necesita crear” e intentarlo de nuevo. Así se crea una nueva piedra (o fruto prohibido), que anecdóticamente nace de un amor incondicional y muy puro que ayuda a Bardem a volver al comienzo de la historia para volver a intentarlo, esperando no cometer los mismos errores.

De esta forma se va configurando dentro del filme un discurso que radica en lo bíblico, pero que se traslada hacia lo social. Una representación de como abusamos de nuestro entorno y de cómo nos embobamos con todo aquello que parezca salvarnos de nuestros propios errores. De todas formas, como ya hemos mencionado en el post anterior, la interpretación es sumamente personal y los llamamos a comentar y discutir alrededor de la película que sin lugar a dudas nos posiciona en una creación dialógica, pues el director-creador, nos llama a que nosotros mismos terminemos su trabajo interpretando de la manera que mejor nos parezca.

Mother! y otros:

108355.jpg-r_1069_1600-f_jpg-q_x-xxyxxBien dijimos que Mother! tiene múltiples interpretaciones, pero además, estamos convencidos que guarda aún más secretos de los que creemos. Pues por ejemplo algo que aún no logramos entender es qué importancia tiene el líquido que Lawrence toma cada vez que su corazón se convierte en piedra.

Por otro lado, la inquietante analogía que se hace respecto del amor nos parece hermosa. Pues al final de la película, podemos ver que lo que importa en el mundo es el amor. Siendo lo que nos vuelve humanos y nos permite existir dentro del mundo que dios configura para nosotros.

Así mismo la idea del tiempo cíclico, (intentos infinitos de Bardem por crear un mundo perfecto), puede hacer referencia al mito griego de la creación de mundo, donde los dioses crean distintos tipos de “hombres” (oro, plata, fresno, bronce y hierro o poetas) pues la creación del ser humano está basada en el ensayo y el error de los mismos dioses que buscan un ser humano idóneo para gobernar. Ahora también la idea de que exista una reconstrucción de mundo, o múltiples intentos por parte de dios, lo humaniza pues él también se equivoca y no puede controlar lo que ocurre realmente en la tierra cegado por su capacidad de perdón o por su sed de adoración.

Es interesante la construcción del personaje de Lawrence, ya que a pesar de representar a la “Madre” o el “Amor”, su dramatización, su contextualización, su progresión dramática nos llama a empatizar con ella, la entendemos y la acompañamos en su angustia a lo largo del filme, sintiendo intensamente sus emociones, pero sobre todo, su desesperación y desconcierto, lo que nos mantiene atrapados y nos ayuda a generar juicios respecto de los otros personajes e incluso de sus relaciones.

Muy bien señala el director que este no es un film de terror o suspenso, es un Thriller psicológico, que busca perturbarnos, incomodarnos y hacernos reflexionar incluso de nosotros mismos nuestras actitudes, respecto del ser humano en general y la sociedad en la que estamos sobreviviendo. Incluso podemos relacionar lo anterior con el signo de exclamación en el nombre de la película, pues podría representar un llamado de atención o la impotencia de Lawrence al no poder escapar de su destino, ¿Volvemos a la determinación naturalista del siglo pasado?

También y para terminar  (pues podríamos continuar) la selección del poeta como personaje representativo de Dios, nos parece una analogía hermosa, pues bien decía el poeta chileno Vicente Huidobro en su manifiesto Creacionista “Non Serviam” que la capacidad creadora era infinita, y el poeta era el creador de mundos por excelencia. Teniendo mucha relación lo anterior, con todo lo que ocurre en la película y la configuración de personajes. Esperamos, les haya servido y que Darren Aronofsky haya basado la elección de su personaje principal en nuestro poeta nacional y su concepción creativa. Pues sería un honor que nuestro país, aún en imaginación, estuviese involucrado en una obra al parecer “maestra”.

Por Werner von Mayenberger Risi

 

Sin tanto spoiler te ayudamos a entender Mother! antes de verla por primera vez.

108355.jpg-r_1069_1600-f_jpg-q_x-xxyxxHay películas que uno va a ver al cine con muchísima expectativa, más cuando el filme es dirigido por un director que sabemos atrapa con sus narrativas y estructuras innovadoras, perturbadoras, e impactantes, pero sobre todo reflexivas.

Hoy incluso y como plus, esta expectativa se ve potenciada sobre todo por el revuelo que pueda provocar una película en redes sociales, cosa que el filme que nos convoca, claramente provoca.

Darren Aronofsky, director de Pi, Requiem for a Dream, The Fountain y Black Swan, sabemos raya la papa, y nosotros muchas veces lo hacemos con él.  Aronosfky constantemente pone en pantalla personajes obsesivos, sumamente complejos que, al parecer, representan en parte, la personalidad creativa del director, ya que en sus producciones vemos cómo este no deja nada al azar preocupándose de cada detalle en su construcción, patentando un hermoso TOC audiovisual, llamando al espectador a reflexionar y ser crítico al momento de observar lo que se resuelve en la pantalla.

El director de Noah, película basada en una reinterpretación fantástica de una de las historias más conocidas de la Biblia (El arca de Noe), nuevamente nos posiciona en lo más abstracto de su mente y nos trae una nueva producción basada en pasajes bíblicos:

Mother! mediante el génesis bíblico construye un mundo ficcionado que produce que divaguemos en torno a reflexiones literarias, creativas, sociales y humanas que nos hacen perturbadoramente mucho sentido.

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Aquí la historia pierde protagonismo y se sobrepone la interpretación, el simbolismo, la emocionalidad y la construcción audiovisual. Pues, muchos no entendemos aún, hasta qué punto el director nos permite reflexionar con su puesta en escena.

“Tenía la intención de que fuera ambigua porque realmente no tiene historia, es más bien una estructura. No todos están entiendo eso; hay cosas, guiños y conexiones, y creo que eso es parte de la diversión cuando hablas de la película”.

La interpretación es libre y decir que solamente está ligada al génesis bíblico (aunque sea su centro), sería algo errado, pues el mismo director nos llama a dejarnos llevar por nuestro poder reflexivo y eso es lo que haremos (sin tanto spoilers como el resto) para si la ves, vayas con atisbos interpretativos que te abrirán la mente:

Los personajes principales Jennifer Lawrence y Javier Bardem, recién casados, viven en una casa que Lawrence está remodelando luego de un incendio. Bardem por su parte, es un poeta famoso, que ve truncada su capacidad creativa y busca constantemente inspiración para lo que él dice es su fin en la vida: crear.

Veamos aquí al poeta tal como diría Huidobro en su manifiesto creacionista, como un creador de mundos (hermoso). Mientras que Lawrence viene a representar a la musa inspiradora, la semilla o la madre, quien reconstruye un contexto para así volverlo idóneo y fundamental para la creación a través del amor verdadero.

mother-475834081-largeAsí y desesperado por despertar su creatividad, el personaje masculino comienza a dejar entrar a su casa (la tierra, su tierra) a extraños que vienen a perturbar el orden de las cosas, pero que, sin embargo, llenan de inspiración al creador. Estos extraños, interpretados por Ed Harris y Michelle Pfeiffer, son los primeros en visitar el hogar reconstruido de la pareja y un poco vienen a hacer el link directo con el génesis bíblico simbolizando a Adan y Eva.

Ojo que hasta aquí no te hemos contado mucho, pero sí podemos patentarte uno de las dos interpretaciones que puedes ir haciendo enfocada a una reinterpretación (que resulta hermosa), de la historia de La Biblia, pero también de la poesía, el artista, el mundo y su ego, así como también de la sociedad, sus vicios obsesiones e imperfecciones.

Creemos que resulta muy enriquecedor ir a ver la película preparado y con un pie forzado que finalmente nos representa una creación audiovisual exquisita, que de manera muy bien lograda nos ayuda a crear incluso a nosotros a través de nuestras propias interpretaciones, pues acá el simbolismo, las conexiones, el quehacer, es lo que importa y sobre todo impacta, atrapa y enriquece el filme.

Ahora, si ya la viste y quieres saber qué interpretación nos hizo más sentido a nosotros y qué cosas se te fueron escapando a lo largo del filme, lee nuestro otro post (haz click aquí) que sí contiene spoilers explícitos que en una de esas, si aun no la has visto, en cierta medida, pueden arruinarte el juego o convertirte el filme en algo más jugoso. Hay para todos los gustos.

FICHA TÉCNICA

Puntuación OjoEnSerie: 8.0

Puntuación IMDB: 7.0

País: Estados Unidos

Año: 2017

Director: Darren Aronofsky (Pi, Requiem for a Dream, The Fountain y Black Swan)

Guión: Darren Aronofsky (Pi, Requiem for a Dream, The Fountain y Black Swan)

Reparto: 

Him  – Javier Bardem (OO7 Skyfall, The Sea Inside, Eat Pray Love, Vicky, Cristina, Barcelona)

Mother – Jennifer Lawrence (Winter’s Bone, X: First Class, The Hunger Games, Silver Linings Playbook, American Hustle, Joy)

He – Ed Harris (A Beautiful Mind, Gravity, Westworld)

She – Michelle Pfeiffer (Batman Returns, Scarface, Dangerous Liaisons)

TRAILER

Por Werner von Mayenberger Risi

Passengers: There is a reason they woke up

mv5bmtk4mju3mdizof5bml5banbnxkftztgwmjm2mzy2mdi-_v1_ux182_cr00182268_al_La idea tras la cinta Passengers es bastante ingeniosa y característica de las historias de nuestra era: un hombre que viaja por el espacio junto a otras cinco mil personas a habitar un nuevo planeta, despierta antes de lo esperado y le quedan 90 años en una nave donde solo tiene robots como compañía.

Como premisa resulta interesante, pues podríamos estar frente a un náufrago de nuestro tiempo y sus vicisitudes para afrontar esta travesía, que a diferencia de la emblemática película de Tom Hanks de fines de los noventa, cuenta con comida asegurada para toda su estadía, cama y entretenciones, el problema aquí es la soledad y el encierro en un mundo de acero donde el infinito que lo rodea le hace perder la esperanza.

La película comienza bien por ese lado, pero el giro que toma la convierte en una historia que hemos visto demasiadas veces, porque la trama se enfoca en el romance entre Jim (Chris Pratt) y Aurora (Jennifer Lawrence), pues tras un año de soledad, nuestro náufrago se enamora de una chica a la que decide despertar.

passengers1El nombre de la coprotagonista no es casual (recordemos que lleva el nombre de la bella durmiente), pues Jim no sólo la despierta físicamente, sino a un nivel emocional, ya que es una mujer que jamás ha centrado su vida en torno a sus sentimientos. Aurora es una escritora fuerte y decidida, cuya misión es retratar la vida en el futuro con una visión de alguien del pasado (el viaje dura 120 años), y el estancamiento en la nave y el hecho de que morirán antes de llegar a destino, la deprime. El resto de la cinta se enfoca en el descubrimiento del acto egoísta de Jim, los desperfectos de la nave y el intento de ambos de salvarse a sí mismos y a los que viajan con ellos.

El director de la película, Morten Tyldum, ya estuvo nominado el año pasado como mejor director por The Imitation Game y ciertamente con Passengers ha seguido un camino muy diferente, pues los efectos especiales, la visión del espacio, las explosiones y tecnología es utilizada de forma grandilocuente, con una cámara que busca acentuar la intriga y la tensión antes que estetizar la experiencia.

36375-q1Este es un film que entretiene y mantiene la atención del espectador, pues estamos frente a dos personajes bonitos, carismáticos y enamorados, quienes representan a los nuevos Adán y Eva en su lucha por aceptar que esta nave será su paraíso y deben aprovechar al máximo la experiencia de quererse y existir. Lamentablemente la historia se queda en eso, cuando podrían haberse profundizado muchísimas aristas más, explorando la dimensión filosófica de la existencia, del ser humano y el concepto de habitar ciertos espacios.

Con dos nominaciones al oscar en aspectos más bien técnicos (mejor diseño de producción y mejor banda sonora), está bien para un domingo por la tarde, pero está lejos de conquistarnos y quedarse en el inconsciente colectivo como la interpretación de Tom Hanks en Cast Away.

FICHA TÉCNICA

Puntuación OjoEnSerie: 6.0

Puntuación IMDB: 7.0

País: Estados Unidos

Año: 2016

Director: Morten Tyldum (The Imitation Game)

Guión: Jon Spaihts (Prometheus, Doctor Strange)

Reparto: 

Jim  – Chris Pratt (Everwood, Bride Wars, Moneyball, Parks and Recreation, Guardians of the Galaxy, Jurassic World)

Aurora – Jennifer Lawrence (Winter’s Bone, X: First Class, The Hunger Games, Silver Linings Playbook, American Hustle, Joy)

Arthur – Michael Sheen (Underwold, The Queen, Blood Diamond, Midnight in Paris)

Gus – Laurence Fishburne (Matrix, Mystic River, Contagion, Batman V Superman: Dawn of Justice)

TRAILER

Por Catalina Arancibia Durán

La La Land: Here’s to the fools who dream

mv5bmzuzndm2nzm2mv5bml5banbnxkftztgwntm3ntg4ote-_v1_ux182_cr00182268_al_La La Land es un claro homenaje a los glamorosos musicales del Hollywood de los años dorados, con referencias a la emblemática pareja de baile Fred Astaire y Ginger Rogers y al inolvidable Gene Kelly que pasó a la historia en Singin’ in the rain. Referencias como éstas abundan y la estética del film es perfecta, pues aunque se sitúa en la actualidad, el vestuario y el entorno están constantemente recordándonos una época anterior.

La cinta tiene como protagonistas a Mia (Emma Stone) y Sebastian (Ryan Gosling), dos jóvenes con sueños: una aspirante a actriz y un pianista que desea instalar un bar de jazz. La historia sigue sus encuentros y desencuentros, pues el amor no sucede a primera vista y la química de la pareja resulta perfecta para armonizar con las coreografías y canciones que funcionan como contrapunto de las situaciones más importantes de la trama.

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La magia de los musicales, aquellas historias donde todos eran bonitos, perfectos y terminaban felices, sólo funciona como un referente, pues poco a poco se nos instala en las luchas y dificultades por lograr lo que quieres en un mundo inhóspito y lo imposible que puede ser mantener una relación de pareja bajo estas condiciones.

Podemos referirnos entonces a una actualización del musical clásico, en una visión posmoderna de la realidad en que muchas cosas están muriendo (de ahí el intento de Sebastian de revivir el verdadero jazz), donde no todas las escenas de la vida ameritan una canción y donde debe priorizarse la individualidad en una existencia cada vez más competitiva.

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Los personajes están muy bien esbozados, en un arco que nos permite conocer su carácter y aceptar sus acciones, con actuaciones que conmueven, en especial el rostro de Emma Stone al final del film, en que se enfrenta el desenlace feliz con números de baile espectaculares que se espera de un musical y la realidad en un mundo donde muchas veces se debe elegir entre las relaciones y la realización personal.

El director y guionista del film, Damien Chazelle, ya tuvo bastante reconocimiento el año pasado con su aclamada Wiplash, que de sus cinco nominaciones al oscar, recibió tres (mejor actor secundario, mejor edición y mejor mezcla de sonido). Esta vez vuelve a
abordar historias centradas en pasiones, sacrificios y sueños de jóvenes que deben aprender a sopesar sus expectativas y aceptar la vida tal como se les ofrece, con una pareja
protagónica que cautiva y una canción principal maravillosa.

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Con catorce nominaciones al Oscar, La La Land se presenta como una de las favoritas en la próxima entrega y definitivamente se instala como una de las grandes contenedoras, por devolver la magia, ilusión y encanto al cine actual, sin perder de vista una historia sólida anclada a problemáticas universales.

FICHA TÉCNICA

Puntuación OjoEnSerie: 8.5

Puntuación IMDB: 8.5

País: Estados Unidos

Año: 2016

Director: Damien Chazelle (Whiplash)

Guión: Damien Chazelle (Whiplash)

Reparto:

Sebastian  – Ryan Gosling (The Believer, The Notebook, Blue Valentine, Drive,  Crazy Stupid Love, The Big Short)

Mia – Emma Stone (Zombieland, Easy A, Crazy Stupid LoveThe Help, The Amazing Spiderman, Birdman)

TRAILER

Por Catalina Arancibia Durán