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Mother! Entre lo Santo y lo Profano. Un reflejo de una sociedad en decadencia.

motherposterMother! es la última película dirigida por Darren Aronofsky, que como antes, hoy nos hace peinar la muñeca, un poco por su llamado a interpretar su juego creativo propuesto en pantalla, y aquí te mostramos qué es lo que pudimos ver, respecto de lo que el director nos quiso presentar.

Una película llena de simbolismos protagonizada por Jennifer Lawrence y Javier Bardem, que por supuesto tiene un final abierto y una narrativa circular que nos ayuda a jugar un poco al momento de forjar nuestras propias interpretaciones. Dejando en claro antes de empezar, que nada de lo que se vierte aquí es algo nuevo u absoluto, es solo nuestro punto de vista respecto de una película que está dando mucho que hablar, y sobre todo, que pensar.

 

Mother! y la Biblia

Primero citaremos al director que nos dice qué: “la estructura del filme fue La Biblia, y la usé para contar la forma en que los humanos vivimos en la Tierra”, y de aquí partiremos.

Lawrence está remodelando la casa (La Tierra), que espera “sea un paraíso”, luego de un incendio que sabemos sucedió antes, pero no sabemos mucho por qué ni cómo. Bardem por su parte, es un poeta famoso, que ve truncada su capacidad creativa y busca constantemente inspiración para lo que él dice es su fin en la vida: crear. Por lo tanto, tenemos en primera instancia un dios creador, simbolizado por un poeta que junto a su mujer buscan crear un paraíso propio luego de una tragedia que los obliga a “empezar de nuevo”. Pensando bíblicamente “cuando todo era un caos”.

A medida que avanza la trama no entendemos muy bien por qué, pero llega un primer extraño que dice estar perdido. Ed Harris, actor que encarna a “Hombre” simboliza a Adan, qué llega a la tierra, pero un Adan del que Lawrence desconfía, ya que se ve muy extraño y está lleno de vicios que ella no comparte, como el cigarrillo y el alcohol. Bardem de todas formas invita al extraño a quedarse en la casa, extraño que resulta ser un admirador del poeta como creador y provoca en él los primeros atisbos de creatividad, pues siente la casa viva y llena de experiencias ajenas que él puede tomar y utilizar, para luego crear.

maxresdefaultMichelle Pfeiffer representa a Eva o “Ella”, que llega a la casa a buscar a su marido después de que en una escena a Ed se le viera (y perdiera) una costilla, mientras vomita en el baño (muy literal). Al llegar Pfeiffer, cuenta que el amor con su marido fue a primera vista, casi como si hubiesen sido puestos uno frente al otro, muy Adán y Eva. Así Eva pone más incómoda aún a Lawrence que ve que su casa se llena de gente que es muy rara, ajena e impura. Pues Pfeiffer representa la lujuria, la Famme Fatale, el egoísmo y la falta de empatía.

Aún así el poeta les permite quedarse, pues quiere “llenar de vida” la casa, quiere que las ideas fluyan.

Otro de los links bíblicos es la oficina del poeta, lugar dónde ocurre la creación, una reinterpretación del paraíso, ya que esta oficina emboba a Adán y Eva. Bardem incluso, les muestra una piedra hermosa y muy simbólica para él, resultado del anterior incendio ocurrido en la casa (o en la tierra) que guarda celosamente en su oficina (o paraíso), con la que Pfeiffer se obsesiona, aun cuando Lawrence le prohíbe la entrada al lugar sin que esté su marido presente. Por supuesto, la mujer termina rompiendo la piedra (el fruto prohibido), desatando la ira del dueño de casa quien clausura su oficina llenando de tablones la puerta. Lawrence intenta expulsarlos de la casa, sin lograrlo y Bardem los perdona.

Aquí el perdón es muy importante ya que explica el porqué de la permanencia de los otros personajes en escena. Ya que nuestro dios tiene una capacidad enorme para perdonar, sentir empatía y cuidar a sus invitados. Pues como hemos reiterado, son quienes le dan vida su espacio.

c278b6aa16554953ae15999a81f697a8Así con los días llegan los hijos de Pfeiffer y Ed Harris, que son una clara representación de Caín y Abel, pues el hermano mayor está celoso del menor, ya que es más idóneo para heredar “el negocio” del padre enfermo. Acá el hermano menor es evidentemente el preferido, y tal cuál ocurre en la Biblia, termina por ser asesinado por su hermano mayor (quien debía cuidarlo), con un golpe en la cabeza. Finalmente, el hermano mayor, debe “vagar por el mundo cargando con la culpa”. Otra cosa muy bíblicamente literal.

Es aquí donde comienza a conformarse la tragedia, sobre todo para Lawrence que ve que su casa es cada vez más invadida, que su marido no la toma en cuenta para las decisiones, y que incluso ni siquiera la desea.

En el lugar donde muere el hijo menor queda una gran mancha de sangre que Lawrence lucha por sacar sin éxito. Simbolizando el nacimiento del infierno, pues la mancha se transforma en un hoyo que da hacia el sótano, y que ayuda a Lawrence a descubrir una caldera que más adelante será la detonante de la destrucción total o el Apocalipsis. Una manera muy creativa de representar al infierno. Es más, esta mancha aparece en dos oportunidades en la película y se relaciona netamente con los “vicios” del mundo que nacen a partir de la muerte y el asesinato entre hermanos, que debían amarse.

mother-1Luego y aunque parezca insólito, el dueño de casa permite que Pfeiffer y Harris realicen el velorio de su hijo en el hogar que han estado “destruyendo”. Lawrence comienza a colapsar y aparecen más personajes que vienen a representar los errores humanos y los vicios sociales que terminarán por destruirnos como sociedad.  Personajes que pintan, destruyen y enturbian la casa en la que Lawrence ha trabajado tanto.

Aquí es donde el agua toma muchísima importancia, ya que, Larewnce les advierte a unos invitados que no se sienten en el lavaplatos pues no está bien agarrado, pero estos no escuchan y representan la necedad y sordera social característica del antiguo testamento y lo terminan por romper y destruir las cañerías de la casa.

Siendo aquí donde Lawrence expulsa a todos de su casa y su marido la apoya, la casa se moja entera, afuera llueve muchísimo y deben abandonar el hogar. Representando claramente la idea del diluvio.

Hasta aquí todo bien. La pareja por fin recupera la tranquilidad. Ambos tienen sexo y concluye en un embarazo. (Nuevo testamento)

imagesDe aquí en adelante la interpretación es clara. Lawrence lleva en su vientre al hijo de dios. Este está tan feliz que se inspira y termina por fin su obra maestra: los diez mandamientos.

Lawrence al ver la obra terminada, leerla y analizarla, llora diciendo que, teme perder a su marido. ¿Por qué? Pues porque como ella dice: “esto es demasiado”. Bardem publica la obra incluso sin saber si su público está preparado para ella. Esto asusta a Lawrence. La primera edición de la obra se vende inmediatamente y Lawrence se convierte en la inspiración principal, pues representa el amor.

Así comienza nuevamente la tragedia, gente de todo el mundo viene buscando a su salvador, los diez mandamientos producen un impacto real en el público y comienzan a llegar a la casa felicitando a su creador, y hasta aparece una editora que representaría a Moisés su fiel seguidor.

De aquí en adelante todo se vuelve muy simbólico, pues Lawrence embarazada, debe vivir la progresión de Jesús hasta la cruz y su posterior muerte. Vemos el nacimiento de este casi literalmente en un pesebre donde llegan regalos y existe un momento de calma (momentánea). La madre busca proteger al hijo y el padre busca mostrarlo a su público o seguidores. Existe una lucha entre ambos y finalmente Lawrence se duerme (no vence) y  su marido termina por entregar a la humanidad su propio hijo, quienes terminan asesinando al bebe de una manera muy escabrosa y tormentosa. Llega el momento de la crucifixión.

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Desde aquí todo empeora, pues la ahora Madre Tierra (Lawrence) se ve sobrepasada y por primera vez en toda la película asume el hogar como suyo y en medio del desastre decide echarlos ella misma. Aun así, no lo logra y termina siendo pisoteada por una humanidad (literalmente una humanidad dentro de una casa) que es egoísta y no se preocupa por nadie más que por ellos mismos y su bienestar.

Por último, Lawrence termina bajando al sótano, entrando al infierno y utilizándolo para poder liberarse del lugar que ni dios le permite abandonar. Así quema por completo la casa y lo que ella contiene. Bardem que no sufre ni un rasguño toma a Lawrence y la lleva calcinada y moribunda a lo que queda del paraíso (su oficina). Lawrence muy apenada le indica que ya “no le queda nada para entregar”, lo que nos entristece (espero a todos), pues ella agotó todos los recursos para lograr la felicidad de ella y su marido. Crear su paraíso.

Sin embargo, Bardem quiere aún algo que Lawrence tiene, y es el amor que aún queda en su corazón. Ella, ya cansada se lo entrega frente a la insistencia de su marido que indica: “que necesita crear” e intentarlo de nuevo. Así se crea una nueva piedra (o fruto prohibido), que anecdóticamente nace de un amor incondicional y muy puro que ayuda a Bardem a volver al comienzo de la historia para volver a intentarlo, esperando no cometer los mismos errores.

De esta forma se va configurando dentro del filme un discurso que radica en lo bíblico, pero que se traslada hacia lo social. Una representación de como abusamos de nuestro entorno y de cómo nos embobamos con todo aquello que parezca salvarnos de nuestros propios errores. De todas formas, como ya hemos mencionado en el post anterior, la interpretación es sumamente personal y los llamamos a comentar y discutir alrededor de la película que sin lugar a dudas nos posiciona en una creación dialógica, pues el director-creador, nos llama a que nosotros mismos terminemos su trabajo interpretando de la manera que mejor nos parezca.

Mother! y otros:

108355.jpg-r_1069_1600-f_jpg-q_x-xxyxxBien dijimos que Mother! tiene múltiples interpretaciones, pero además, estamos convencidos que guarda aún más secretos de los que creemos. Pues por ejemplo algo que aún no logramos entender es qué importancia tiene el líquido que Lawrence toma cada vez que su corazón se convierte en piedra.

Por otro lado, la inquietante analogía que se hace respecto del amor nos parece hermosa. Pues al final de la película, podemos ver que lo que importa en el mundo es el amor. Siendo lo que nos vuelve humanos y nos permite existir dentro del mundo que dios configura para nosotros.

Así mismo la idea del tiempo cíclico, (intentos infinitos de Bardem por crear un mundo perfecto), puede hacer referencia al mito griego de la creación de mundo, donde los dioses crean distintos tipos de “hombres” (oro, plata, fresno, bronce y hierro o poetas) pues la creación del ser humano está basada en el ensayo y el error de los mismos dioses que buscan un ser humano idóneo para gobernar. Ahora también la idea de que exista una reconstrucción de mundo, o múltiples intentos por parte de dios, lo humaniza pues él también se equivoca y no puede controlar lo que ocurre realmente en la tierra cegado por su capacidad de perdón o por su sed de adoración.

Es interesante la construcción del personaje de Lawrence, ya que a pesar de representar a la “Madre” o el “Amor”, su dramatización, su contextualización, su progresión dramática nos llama a empatizar con ella, la entendemos y la acompañamos en su angustia a lo largo del filme, sintiendo intensamente sus emociones, pero sobre todo, su desesperación y desconcierto, lo que nos mantiene atrapados y nos ayuda a generar juicios respecto de los otros personajes e incluso de sus relaciones.

Muy bien señala el director que este no es un film de terror o suspenso, es un Thriller psicológico, que busca perturbarnos, incomodarnos y hacernos reflexionar incluso de nosotros mismos nuestras actitudes, respecto del ser humano en general y la sociedad en la que estamos sobreviviendo. Incluso podemos relacionar lo anterior con el signo de exclamación en el nombre de la película, pues podría representar un llamado de atención o la impotencia de Lawrence al no poder escapar de su destino, ¿Volvemos a la determinación naturalista del siglo pasado?

También y para terminar  (pues podríamos continuar) la selección del poeta como personaje representativo de Dios, nos parece una analogía hermosa, pues bien decía el poeta chileno Vicente Huidobro en su manifiesto Creacionista “Non Serviam” que la capacidad creadora era infinita, y el poeta era el creador de mundos por excelencia. Teniendo mucha relación lo anterior, con todo lo que ocurre en la película y la configuración de personajes. Esperamos, les haya servido y que Darren Aronofsky haya basado la elección de su personaje principal en nuestro poeta nacional y su concepción creativa. Pues sería un honor que nuestro país, aún en imaginación, estuviese involucrado en una obra al parecer “maestra”.

Por Werner von Mayenberger Risi

 

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Sin tanto spoiler te ayudamos a entender Mother! antes de verla por primera vez.

108355.jpg-r_1069_1600-f_jpg-q_x-xxyxxHay películas que uno va a ver al cine con muchísima expectativa, más cuando el filme es dirigido por un director que sabemos atrapa con sus narrativas y estructuras innovadoras, perturbadoras, e impactantes, pero sobre todo reflexivas.

Hoy incluso y como plus, esta expectativa se ve potenciada sobre todo por el revuelo que pueda provocar una película en redes sociales, cosa que el filme que nos convoca, claramente provoca.

Darren Aronofsky, director de Pi, Requiem for a Dream, The Fountain y Black Swan, sabemos raya la papa, y nosotros muchas veces lo hacemos con él.  Aronosfky constantemente pone en pantalla personajes obsesivos, sumamente complejos que, al parecer, representan en parte, la personalidad creativa del director, ya que en sus producciones vemos cómo este no deja nada al azar preocupándose de cada detalle en su construcción, patentando un hermoso TOC audiovisual, llamando al espectador a reflexionar y ser crítico al momento de observar lo que se resuelve en la pantalla.

El director de Noah, película basada en una reinterpretación fantástica de una de las historias más conocidas de la Biblia (El arca de Noe), nuevamente nos posiciona en lo más abstracto de su mente y nos trae una nueva producción basada en pasajes bíblicos:

Mother! mediante el génesis bíblico construye un mundo ficcionado que produce que divaguemos en torno a reflexiones literarias, creativas, sociales y humanas que nos hacen perturbadoramente mucho sentido.

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Aquí la historia pierde protagonismo y se sobrepone la interpretación, el simbolismo, la emocionalidad y la construcción audiovisual. Pues, muchos no entendemos aún, hasta qué punto el director nos permite reflexionar con su puesta en escena.

“Tenía la intención de que fuera ambigua porque realmente no tiene historia, es más bien una estructura. No todos están entiendo eso; hay cosas, guiños y conexiones, y creo que eso es parte de la diversión cuando hablas de la película”.

La interpretación es libre y decir que solamente está ligada al génesis bíblico (aunque sea su centro), sería algo errado, pues el mismo director nos llama a dejarnos llevar por nuestro poder reflexivo y eso es lo que haremos (sin tanto spoilers como el resto) para si la ves, vayas con atisbos interpretativos que te abrirán la mente:

Los personajes principales Jennifer Lawrence y Javier Bardem, recién casados, viven en una casa que Lawrence está remodelando luego de un incendio. Bardem por su parte, es un poeta famoso, que ve truncada su capacidad creativa y busca constantemente inspiración para lo que él dice es su fin en la vida: crear.

Veamos aquí al poeta tal como diría Huidobro en su manifiesto creacionista, como un creador de mundos (hermoso). Mientras que Lawrence viene a representar a la musa inspiradora, la semilla o la madre, quien reconstruye un contexto para así volverlo idóneo y fundamental para la creación a través del amor verdadero.

mother-475834081-largeAsí y desesperado por despertar su creatividad, el personaje masculino comienza a dejar entrar a su casa (la tierra, su tierra) a extraños que vienen a perturbar el orden de las cosas, pero que, sin embargo, llenan de inspiración al creador. Estos extraños, interpretados por Ed Harris y Michelle Pfeiffer, son los primeros en visitar el hogar reconstruido de la pareja y un poco vienen a hacer el link directo con el génesis bíblico simbolizando a Adan y Eva.

Ojo que hasta aquí no te hemos contado mucho, pero sí podemos patentarte uno de las dos interpretaciones que puedes ir haciendo enfocada a una reinterpretación (que resulta hermosa), de la historia de La Biblia, pero también de la poesía, el artista, el mundo y su ego, así como también de la sociedad, sus vicios obsesiones e imperfecciones.

Creemos que resulta muy enriquecedor ir a ver la película preparado y con un pie forzado que finalmente nos representa una creación audiovisual exquisita, que de manera muy bien lograda nos ayuda a crear incluso a nosotros a través de nuestras propias interpretaciones, pues acá el simbolismo, las conexiones, el quehacer, es lo que importa y sobre todo impacta, atrapa y enriquece el filme.

Ahora, si ya la viste y quieres saber qué interpretación nos hizo más sentido a nosotros y qué cosas se te fueron escapando a lo largo del filme, lee nuestro otro post (haz click aquí) que sí contiene spoilers explícitos que en una de esas, si aun no la has visto, en cierta medida, pueden arruinarte el juego o convertirte el filme en algo más jugoso. Hay para todos los gustos.

FICHA TÉCNICA

Puntuación OjoEnSerie: 8.0

Puntuación IMDB: 7.0

País: Estados Unidos

Año: 2017

Director: Darren Aronofsky (Pi, Requiem for a Dream, The Fountain y Black Swan)

Guión: Darren Aronofsky (Pi, Requiem for a Dream, The Fountain y Black Swan)

Reparto: 

Him  – Javier Bardem (OO7 Skyfall, The Sea Inside, Eat Pray Love, Vicky, Cristina, Barcelona)

Mother – Jennifer Lawrence (Winter’s Bone, X: First Class, The Hunger Games, Silver Linings Playbook, American Hustle, Joy)

He – Ed Harris (A Beautiful Mind, Gravity, Westworld)

She – Michelle Pfeiffer (Batman Returns, Scarface, Dangerous Liaisons)

TRAILER

Por Werner von Mayenberger Risi

The Daughter: Keep your family close and your secrets closer

mv5bmty2mza0mtuyml5bml5banbnxkftztgwmtkymjeynze-_v1_sy1000_cr007011000_al_Esta producción australiana está realizada con gran mesura y plasticidad, arrastrándonos poco a poco en un conflicto que deslumbra gracias a sus magníficas interpretaciones. Basada en la obra El pato salvaje de Henrik Ibsen, la trama se desenvuelve de forma trepidante planteando dilemas morales que convertirán en partícipe y juez al espectador.

La historia comienza cuando Christian vuelve a casa tras una larga ausencia. Henry, su padre y el hombre más rico y poderoso de la ciudad, va a casarse con una mujer que podría ser su hija. De casualidad se encuentra con su mejor amigo de infancia Oliver y comienza a compartir con él y su familia (su padre Walter, su esposa y su hija). Algo extraño se palpa en el ambiente, algo indefinible que con gran pericia la cinta se demora en develar.

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Los secretos agobian a ambas familias, infidelidades, traiciones y muertes que resurgirán con la llegada del ahora forastero, que acarrea sus propios fantasmas personales. La cinta sugiere con gran sutileza la problemática de la verdad y la mentira: ¿es mejor vivir feliz, pero ignorante de los hechos? O ¿es preferible saber y aceptarlo en nuestros propios términos? ¿Está en manos nuestras revelar secretos ajenos? ¿Es realmente justo para los engañados? Estas preguntas quedan suspendidas mientras se desata la catástrofe, reafirmando aquella máxima que asegura que la verdad siempre termina saliendo a la luz.

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Las actuaciones acompañan muy bien al drama, representando personajes muy reales y multifacéticos. A pesar de que caen en algunos estereotipos (Henry como el poderoso distante y engreído o Hedvig como la adolescente enérgica y rebelde), la caracterización acompaña al drama y realiza un arco perfecto, coherente a las personalidades tan sutilmente esbozadas.

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Un detalle interesantísimo es el derrumbe de la ciudad junto con sus protagonistas. Tal como en los dramas naturalistas que escribía Ibsen, el ambiente se convierte en un contrapunto de los hechos, ya que al comienzo de la narración la fábrica del padre de Christian cierra, dejando a miles sin trabajo ni expectativas, sumiendo a la población en la incertidumbre. Asimismo, el santuario en que Walter y Hedvig rescatan animales accidentados, nos entrega un referente simbólico en el pato herido por un disparo de Henry, tal como los demás han sido afectados por su comportamiento.

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Siguiendo esta línea, la película opta por tonalidades oscuras, mostrando siempre lugares con poca luminosidad y ambientes abiertos sellados por escalas de grises o más bien lúgubres. La cámara se mueve con destreza y lentitud, y se vuelve caótica en los momentos de máxima tensión, en una historia que omite mucho, dejando en constante suspenso al espectador.

222141-jpg-c_300_300_x-f_jpg-q_x-xxyxxUna cinta de ritmo lento, en donde la trama engaña y el verdadero conflicto explota afectando a todo el ambiente representando, con personajes que aman, sufren y sienten al extremo, entregándonos un final abierto que vuelve a plantearnos preguntas y reflexiones. Muy recomendable.

 

 

FICHA TÉCNICA

Puntuación OjoEnSerie: 7.5

Puntuación IMDB: 6.8

País: Australia

Año: 2015

Director: Simon Stone

Guión: Simone Stone (adaptación), Henrik Ibsen (obra)

Reparto:

Henry – Geoffrey Rush (Elizabeth, Shakespeare in love, Pirates of the Caribbean Saga, The King’s Speech, The Book Thief)

Christian – Paul Schneider (The family Stone, Lars and the real girl, Water for elepants)

Oliver  – Ewen Leslie

Hedvig – Odessa Young

Walter – Sam Neil (Jurassic Park,, Wimbledon,The Tudors, The Vow)

Charlotte – Mirando Otto (War of the wolrds, I Frankenstein, Homeland)

TRAILER

Por Catalina Arancibia Durán

Equals: “Find your equal”

poster equalsEquals es una cinta de corte futurista con claras reminiscencias a mundos de absoluto control, clásicos de la literatura como 1984, Un mundo feliz o Fahreinheit 451 y en el caso del cine la famosa The Island (2005).

Si bien estas narraciones intentan funcionar como metáforas del mundo y de lo que sucederá si la globalización y la individualidad continúan, el relato se aleja de grandes estridencias para presentarnos la historia de amor de Silas (Nicholas Hoult) y Nia (Kirsten Stewart).

La trama se sitúa en un futuro distante en que finalmente el ser humano logró destruir el planeta, y las personas viven encapsuladas, en una sociedad que prohibe el contacto físico y la vida comunitaria, promoviendo ante todo la eficiencia. Es una existencia rutinaria, donde cada quien tiene su habitación, comen solos, visten iguales y realizan actividades de distracción en solitario.

reseña 3-2El gran peligro es una enfermedad “mortal”, el SOS que involucra sentir emociones y desear el contacto físico. Silas, nuestro protagonista, comienza a sentir atisbos de emociones tras presenciar un suicidio, y acude al médico desesperado: “no quiero volver a sentir algo como eso jamás”, pero su enfermedad avanza y comienza a conectar poco a poco con una compañera de trabajo que también está “infectada”.

El contacto es inminente y el director acierta al filmar estas escenas con una luz fosforescente y confusa, enfocándose en primeros planos, con una banda sonora que ayuda a recrear lo que sentiría una persona que toca a otra por primera vez, apartándose además del mundo blanco y opaco que domina el resto de las escenas.

reseña 2-2Aunque la química de los actores no es la ideal, su actuación funciona, pues estamos ante individuos acostumbrados a la parquedad en las relaciones y la forma en que descubren el amor y la conexión con el otro resulta muy dulce, a medida que van perdiendo el control de sí mismos, rompiendo todas las reglas de su comunidad, se reflejan en el otro y logran conocerse a sí mismos de otra manera.

El mensaje es esperanzador y no sólo por la relación romántica, sino por los lazos de amistad que establecen con otros infectados que los ayudarán a escapar de aquel mundo esquematizado. Nuestros protagonistas sufren, pero eso les hace sentir vivos y es esta idea la que queda rondando luego de un final abierto a interpretaciones, pero que sin duda apunta hacia buscar en la vida aquello que nos hace sentir.

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Una película interesante y novedosa, pues aunque ya hemos visto antes mundos futuristas, aquí se presenta de manera intimista, sin grandes escenas de acción ni grandes héroes, sólo dos personas que se han enamorado y por ello atisban algo de esperanza en su pequeño mundo.

FICHA TÉCNICA

Puntuación OjoEnSerie: 7.0

Puntuación IMDB: 6.1

País: Estados Unidos

Año: 2015

Director: Drake Doremus (Like Crazy, Breathe In)

Guión: Drake Doremus, Nathan Parker

Reparto: 

Silas – Nicholas Hoult (About a Boy, Skins, Warm Bodies)

Nia – Kirsten Stewart (Twilight, Snow White and the Huntsman, On the Road, Still Alice)

Jonas – Guy Pearce (Memento, The Hurt Locker, Iron Man 3)

Bess – Jackie Weaver (Silver Linings Playbook, Stoker)

TRAILER

Por Catalina Arancibia Durán

Revenge. Temporada III. Capítulo XVIII: Blood

3x18_6La guerra entre Victoria Grayson y Emily Thorne continúa. En un último episodio nuestra protagonista se mantuvo bastante calma, en cambio Victoria no deja de hacer de las suyas pero nadie dice que le será fácil llevarle ventaja a la verdadera Amanda Clarke.

Emily y Aiden visitan a la madre de este para así dilucidar el nuevo misterio que se les presenta, ambos viajan a Inglaterra y descubren que existiría un nuevo cabo suelto que podría llevarlos a establecer la relación que el padre de Aiden pudo tener con el recién llegado Pascal.

Mientras tanto, su archienemiga Victoria no pierde el tiempo y su nuevo romance con Pascal no la distraerá de sus labores,  incluso está recurriendo a medidas desesperadas para poder descubrir las nuevas intenciones de Emily, acudiendo a un perdido periodista: Mason. Demostrando que está dispuesta a todo para descubrir lo que se le esconde, pues como siempre Victoria debe estar al tanto de todo.

MADELEINE STOWE, ROGER BART

Por otro lado, Jack y Margoux están siendo invadidos por la maldición Grayson y su relación se está viendo influenciada por las peripecias e intrusiones que Daniel se encarga de realizar para así alejar finalmente a Jack de su tan querida “amiga”. Así también, Charlotte al parecer quien era la única que se escapaba del gen maligno de su familia, está cayendo en los mismos juegos de sus parientes, demostrando tener mucho más de Grayson que de Clarke.

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Así, Revenge nos trae un capítulo transitorio en donde las situaciones que aquí ocurren sientan los precedentes de lo que se nos viene, recordemos que estamos próximos a un cierre de temporada puesto que la resolución de los conflictos no puede seguir alargándose.

e2b3d2e59632765129c88746aaac5e50De esta forma esperamos que Emily le empiece a poner fin a su tan anhelada venganza, pues se echan bastante de menos aquellas situaciones que en temporadas pasadas resultaban tan impactantes e intrigantes, aquellas que sólo Emily Thorne sabía generar. Pues hoy por hoy se le está dejando esa difícil tarea solamente a Victoria, quien también al parecer está perdiendo la magia.

Esperamos ver alguna situación alentadora, de aquellas que nos indican el comienzo de la debacle, el comienzo de un fin que ya hemos esperado bastante.

PREVIEW

Por Werner von Mayenberger Risi

MAMÁ MECHONA: Mucho ruido y pocas nueces

470x260_mamaHace aproximadamente 4 años que Canal 13 no presentaba una producción para el espacio de las 20 horas, fue así como nació esta original propuesta familiar que traería nuevamente a la gloria a la ex señal del angelito.

“Mamá mechona” fue un fenómeno de publicidad, programas especiales y la corona del último certamen de la fiesta viñamarina. Sin embargo, y para sorpresa de Canal 13, los fieles no dejaron de lado la historia de los campesinos que llegan a vivir a la ciudad “Somos los Carmona”.

El primer capítulo de esta tira diaria estuvo marcado por la gran decisión que tomó Macarena (Sigrid Alegría) de ingresar en secreto a la universidad, tras un desmotivante encuentro con sus exitosas ex compañeras de colegio.

2013-06-08_paulobrunettiAsí fue como la mamá mechona vive su inesperado “mechoneo” y es descubierta por su marido en el primer día de clases. Razón que le traerá más de un conflicto familiar al tratar de cumplir su sueño de estudiar psicología.

Por otro lado, ese destino tan casual de las teleseries jugará con el corazón de nuestra protagonista, tras reencontrarse con su primer amor en el patio de la universidad, y para rematar la implacable jugada del destino, este antiguo príncipe azul será más ni menos que su profesor (Paulo Brunetti).

Para finalizar, “Mamá Mechona” es producto original con una historia divertida que nos enseña el cambio que ha tenido la sociedad chilena en torno a los temas familiares y las labores compartidas en el hogar.  Sin duda una teleserie chispeante, juvenil y muy lejos de caer en la caricatura por parte de sus personajes.

FICHA TÉCNICA:

Cadena: Canal 13

País de origen: Chile

Creador: Sergio Díaz

Reparto: Sigrid Alegría, Alonso Quintero, Álvaro Espinoza, Simón Pesutic, Constanza Piccoli y Begoña Basauri

TRAILER:

Por Miguel Ortiz Olea

La extrovertida noche de los 86th Academy Awards

gala-5-aLa noche recién pasada fuimos testigos de una nueva entrega de los premios de la academia, y este año como cualquier otro no estuvo exento de polémicas y momentos inolvidables.

Partiremos hablando de la extrovertida encargada de animar y dirigir los premios Ellen DeGeneres, personaje que sin duda dio mucho que hablar. Sin pelos en la lengua, Ellen comenzó con un monólogo lleno de referencia a premiaciones anteriores y situaciones vergonzosas para muchos de los asistentes. Un acierto de su parte fue el hacer uso de las redes sociales para aumentar no sólo su popularidad, sino también las risas y carcajadas que acompañaron gran parte de la noche. EllenYa sea repartiendo pizzas o subiendo a su cuenta de Twitter un “selfie” que logró más de 2,6 millones de Retweets y provocando un colapso en las redes sociales por más de veinte minutos, Ellen demostró que en estos premios de la academia lo que menos importó fue la solemnidad, marcando más de un hito en la historia de los Oscars.

Respecto a otros momentos que marcaron la noche, no podemos dejar de lado la segunda caída de Jennifer Lawrence y el impactante vestido de Lupita Nyong’o, la emocionada y merecida ganadora del Oscar a mejor actriz de reparto por su pariticipación en 12 Years a Slave, quien logró acaparar todas las miradas no sólo por ser primeriza en el mundo del cine, sino que por su vestido azul que según la misma referenciaba a su tierra natal: “este Prada se hizo exclusivamente para mí. Es un azul que me recuerda el cielo de Nairobi (Kenia)”. Otra de las que se llevó muchos aplausos fue Cate Blanchett con un Armani Privé con pedrerías que lucieron su fantástica figura. Fue sin embargo, Kate Hudson la elegida como mejor vestida por el portal del certamen, con un Versace blanco que fascinó a todos. No podemos dejar de mencionar a Sandra Bullock, quien lucía muy glamorosa con un diseño del afamado Alexander McQueen y Charlize Theron por su parte se destacó con Dior, hecho que no debe sorprendernos, ya que todos los años se encuentra en la lista de las mejores vestidas y no por nada es el rostro de uno de los perfumes de la compañía.

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México se hizo sentir en esta entrega, llevándose dos galardones, uno con Lupita (quien cuenta con doble nacionalidad, la mexicana y la de Kenia) y el otro de la mano de Alfonso Cuarón, consagrándose como el primer director latinoamericano en recibir un Oscar en la categoría de mejor director. No es menor además la cantidad de premios que se llevó su filme (7 estatuillas en total: mejores efectos especiales, mejor mezcla de sonido, mejor edición de sonido, mejor dirección de fotografía, mejor edición, mejor música original y mejor director).

MV5BNjE5MzYwMzYxMF5BMl5BanBnXkFtZTcwOTk4MTk0OQ@@._V1_SY317_CR0,0,214,317_Otro de los países que se consagró en esta entrega fue Italia, recibiendo su quinceavo galardón por mejor película extranjera con La grande Bellezza, siendo el país que tiene más estatuillas en dicha categoría (15 ganadas, 32 nominaciones). Su director y escritor Paolo Sorrentino no en vano agradeció sobre todo a Federico Felinni (además de Maradona y Scorsese) como su gran inspirador, y al ser galardonada su película, sin duda se instauró como uno de los grandes homenajes al legendario director.

dt.common.streams.StreamServerLa noche además, no estuvo exenta de momentos conmovedores, comenzando con un emotivo discurso de Jared Leto, premiado como mejor actor de reparto (Dallas Buyers Club),  quien reconoció la importancia de su madre y hermano en su vida y luego manifestó su apoyo al conflicto venezolano. Además, el In Memoriam estuvo más lleno que nunca, recordando a personajes cómo Phillip Seymour Hoffman, James Gandolfini y Paul Walker, muertes que marcaron el último año. Pero olvidando a Sara Montiel, fallecida el 8 de marzo del 2013, además de Dennis Farina (Saving Private Ryan, Law & Order), Russell Jhonson (Gilligan’s Island, Twilight Zone) o la recién fallecida Marcia Wallace quien dio voz a la Señorita Krabapapple en Los Simpson durante décadas. Sin duda no faltan los tropezones por parte del comité.

La pelea por otro lado, se vio bien dura, pues dos de las películas del año se disputaron la mayoría de los premios (Gravity y 12 Years a Slave) llevándose la película de Steven McQueen el premio a mejor guión adaptado y mejor película, siendo el encargado de los agradecimientos su productor Brad Pitt. Sin embargo, Gravity dio mucho que hablar, pues sus casi seis años de producción no fueron en vano, marcando un hito en la historia del cine y sobre todo en la trayectoria de la academia.

Así, uno de los grandes derrotados fue Scorsese, ya que este año su película The Wolf of Wall Street pasó más que desapercibida llevándose un total de cero estatuatillas. Engorrosa situación para Leonardo DiCaprio nominado a mejor actor, que nuevamente no recibió el premio que a nuestro parecer merece hace ya bastantes años.

PHILOMENA_MOtra de las grandes olvidadas de la noche fue Philomena, una conmovedora historia basada en hechos reales, que contó con la actuación de una magnífica y siempre vigente Judi Dench. La verdadera protagonista estaba entre el público y sólo fue mencionada una vez, a diferencia del verdadero Capitán Phillips que también estaba en la entrega. La película del mismo nombre que relataba su experiencia al ser secuestrado por piratas, con la actuación principal de Tom Hanks (olvidado incluso entre los nominados), también estuvo exenta de galardones y sólo recibió reconocimiento su actor secundario Barkhad Abdi, quien en su primer papel en el cine fue nominado a mejor actor de reparto.

Además de estas dos cintas, es importante destacar que muchas de las películas nominadas de este MV5BMjExMTEzODkyN15BMl5BanBnXkFtZTcwNTU4NTc4OQ@@._V1_SX214_año estaban basadas en situaciones y personajes reales. Podemos comenzar mencionando a la ganadora 12 Years a Slave, inspirada en la vida de Salomon Northup, hombre libre que con engaños se vio privado de su libertad, tratando el tema de la esclavitud de manera muy cruda y vívida. El director del filme, Steve McQueen recordó al emblemático personaje en su discurso de agradecimiento. Por su parte, The Wolf of Wall Street nos relata la verdadera historia de Jordan Belfort (interpretado por Leonardo DiCaprio), director de la firma Stratton Oakmont, millonario que cometió todo tipo de excesos en un mundo de estafas, drogas y sexo desenfrenado. Esta película se ha visto rodeada de mucha polémica, debido a la demanda de 25 millones de dólares, realizada por uno de los antiguos empleados de la compañía, quien no apreció la manera en que fue retratado. Debemos mencionar también una de las grandes reconocidas de la noche (mejor maquillaje y peinado, mejor actor de reparto y mejor actor), Dallas Buyers Club, que muestra la cruzada de Ron Woodroof, quien en 51IXxLGbmVL1985 tras ser diagnosticado con sida, dirige un club fuera del sistema para ayudar a los enfermos rechazados por la sociedad. La brillante representación de Matthew McConaghey le valió el Oscar a mejor actor, rol por el que cambió drásticamente, reduciendo alrededor de veinte quilos y con el que se alejó de las usuales comedias románticas por las que era conocido (The Wedding Planner, How to lose a guy in ten days, Failure to Launch). Por supuesto, no podemos olvidar la desenfrenada American Hustle de David O. Russell, que se basa en un caso policial de los setenta para representar un mundo de perdición, fraudes y mentiras. Esta cinta resonaba como una de las favoritas para este año (recordemos que el año pasado la película del mismo director Silver Linings Playbook fue aplaudida por la crítica y Jennifer Lawrence obtuvo el galardón a mejor actriz) , sin embargo esta vez no recibió ningún reconocimiento.

Dentro de las creaciones independientes, podemos destacar Her de Spike Jonze, narración muy acorde a nuestra época relatando el estado de nuestros afectos y relaciones. El director recibió la ansiada estuatilla por mejor guión original.

blue_jasmine_ver2El filme de Woody Allen, Blue Jasmine se destacó por la actuación de Cate Blanchett, mejor actriz de este año (había ganado anteriormente por mejor actriz de reparto en The Aviator), por su rol de una inestable mujer de la socialité neoyorkina que pierde todo de la noche a la mañana y debe lidiar con la vida real y con su pasado. Esta película es sostenida por su increíble interpretación y por supuesto por su hermana, encarnada por una deslumbrante Sally Hawkins que recibió su primera nominación a mejor actriz de reparto. La ganadora se refirió al cine de mujeres, apuestas que pueden parecer arriesgadas, pero que sin embargo atraen mucho público y pueden ser éxito de taquilla (tal como vimos que sucedió con Philomena).

Frozen-movie-posterEn la animación fue Frozen la más destacada, recibiendo el galardón a mejor película animada y a mejor canción original con “Let it go” de Kristen Anderson-Lopez y Robert Lopez. Esta cinta era la más costosa de la categoría y ha sido una de las apuestas de Disney por retomar su sello de historias clásicas (de los hermanos Grimm por lo general) con princesas, magia y canciones originales. Fue además la primera producción sin el apoyo de Pixar, renovando el estilo particular de la compañía.

Debemos mencionar también otra de las películas del 2013 protagonizada por Leonardo DiCaprio, The Great Gatsby del director Baz Luhrmann (Romeo+Juliet, Moulin Rouge, Australia), adaptación del clásico norteamericano de Francis Scott Fitzgerald que sólo recibió reconocimiento por mejor diseño de vestuario (Catherine Martin) y mejor diseño de producción (Catherine Martin y Beverley Dunn), a pesar del excelente trabajo en el guión y en la actuación.

Por último nos gustaría recordar que en situaciones como estas siempre la subjetividad valorativa complica la situación y sobre todo la percepción. A nuestro parecer, las ganadoras de este 2014 realmente estuvieron a la altura en comparación a las de años anteriores, en especial los galardonados a mejor actor /actriz y mejor actor/ actriz de reparto. Si bien puede pensarse que Gravity se robó la noche, debemos admitir el avance tecnológico que significa para el cine y la maestría con que retrató la inmensidad del espacio.

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Debemos reconocer además los juicios políticos, económicos, comerciales y sobre todo el tan renegado “Lobby” por uno u otro premio que no apetece a la mayoría y que mancha a todos los otros que sí, quizás y en una de esas sí están bien merecidos y exentos de toda influencia. Es por eso que no queremos emitir un juicio de valor y destacar la importancia que tienen estos premios al potenciar algo que tanto amamos: el cine y la televisión, que nos ofrecen un sinfín de realidades y mundos que nos absorben y llenan con momentos que jamás olvidaremos.

Ganadores:

Mejor actor de reparto
Ganador: 
Jared Leto, Dallas Buyers Club
Candidatos:
Barkhad Abdi, Captain Phillips
Bradley Cooper, American Hustle
Michael Fassbender, 12 Years a Slave
Jonah Hill, The Wolf of Wall Street

Mejor Diseño de Vestuario
Ganador: 
The Great Gatsby (Catherine Martin)
Candidatos:
American Hustle (Michael Wilkinson)
The Grandmaster (William Chang Suk Ping)
The Invisible Woman (Michael O’Connor)
12 Years a Slave(Patricia Norris)

Mejor Maquillaje y Peinado
Ganador:
Dallas Buyers Club (Adruitha Lee y Robin Mathews)
Candidatos:
Jackass Presents: Bad Granpa (Stephen Prouty)
The Lone Ranger (Joel Harlow y Gloria Pasqua-Casny)

Mejor Cortometraje Animado
Ganador: 
Mr. Hublot, de Laurent Witz y Alexandre Espigares
Candidatos:
Feral, de Daniel Sousa y Dan Golden
Get a Horse, de Lauren MacMullan y Dorothy McKim
Possessions, de Shuhei Morita
Room on the Broom, de Max Lang y Jan Lachauer

Mejor película animada
Ganadora: 
Frozen
Candidatas:
The Croods
Ernest and Celestine
The Wind Rises
Despicable Me 2

Mejores Efectos Especiales
Ganador: 
Gravity (Tim Webber, Chris Lawrence, David Shirk y Neil Corbould)
Candidatos:
The Hobbit: the desolation of Smaug (Joe Letteri, Eric Saindon, David Clayton y Eric Reynolds)
Iron Man 3 (Christopher Townsend, Guy Williams, Erik Nash y Dan Sudick)
The Lone Ranger (Tim Alexander, Gary Brozenich, Edson Williams y John Frazier)
Star Trek: en la oscuridad (Roger Guyett, Patrick Tubach, Ben Grossmann y Burt Dalton)

Mejor Cortometraje
Ganador: 
Helium, de Anders Walter y Kim Magnusson
Candidatos:
Aquel No Era Yo, de Esteban Crespo
Avant Que De Tout Perdre, de Xavier Legrand y Alexandre Gavras
Pitääkö Mun Kaikki Hoitaa?, de Selma Vilhunen y Kirsikka Saari
The Voorman Problem, de Mark Gill and Baldwin Li

Mejor Cortometraje Documental
Ganador: 
The Lady in Number 6: Music Saved My Life, de Malcolm Clarke y Nicholas Reed
Candidatos:
CaveDigger, de Jeffrey Karoff
Facing Fear, de Jason Cohen
Karama Has No Walls, de Sara Ishaq
Prison Terminal: The Last Days of Private Jack Hall, de Edgar Barens

Mejor Documental
Ganador: 
20 Feet from Stardom, de Morgan Neville, Gil Friesen y Caitrin Rogers
Candidatos:
The Act of Killing, de Joshua Oppenheimer y Signe Byrge Sørensen
Cutie and the Boxer, de Zachary Heinzerling y Lydia Dean Pilcher
Dirty Wars, de Richard Rowley y Jeremy Scahill
The Square, de Jehane Noujaim y Karim Amer

Mejor película extranjera
Ganadora: 
La grande bellezza (Italia)
Candidatas: 
The Broken Circle Brokedown (Bélgica)
Jagten (Dinamarca)
Omar (Palestina)
The missing picture (Camboya)

Mejor Mezcla de Sonido
Ganador: 
Gravity (Skip Lievsay, Niv Adiri, Christopher Benstead y Chris Munro)
Candidatos:
Captain Phillips (Chris Burdon, Mark Taylor, Mike Prestwood Smith y Chris Munro)
The Hobbit: the desolation of Smaug (Christopher Boyes, Michael Hedges, Michael Semanick y Tony Johnson)
Inside Llewyn Davis (Skip Lievsay, Greg Orloff y Peter F. Kurland)
Lone Survivor (Andy Koyama, Beau Borders y David Brownlow)

Mejor Edición de Sonido
Ganador: 
Gravity (Glenn Freemantle)
Candidatos:
All Is Lost (Steve Boeddeker y Richard Hymns)
Captain Phillips (Oliver Tarney)
The Hobbit: the desolation of Smaug (Brent Burge y Chris Ward)
Lone Survivor ( Wylie Stateman)

Mejor actriz de reparto
Ganadora: 
Lupita Nyong’o, 12 Years a Slave
Candidatas:
Sally Hawkins , Blue Jasmine
Jennifer Lawrence, American Hustle
Julia Roberts, August: Osage County
June Squibb, Nebraska

Mejor Dirección de Fotografía
Ganador: 
Gravity (Emmanuel Lubezki)
Candidatos:
The Grandmaster (Philippe Le Sourd)
Inside Llewyn Davis (Bruno Delbonnel)
Nebraska (Phedon Papamichael)
Prisioners (Roger A. Deakins)

Mejor Edición
Ganador: 
Gravity(Alfonso Cuarón y Mark Sanger)
Candidatos:
American Hustle (Jay Cassidy, Crispin Struthers y Alan Baumgarten)
Captain Phillips (Christopher Rouse)
Dallas Buyers Club (John Mac McMurphy y Martin Pensa)
12 Years a Slave (Joe Walker)

Mejor Diseño de Producción

Ganador: The Great Gatsby (Catherine Martin y Beverley Dunn)
Candidatos:
American Hustle
Gravity
Her
12 Years a Slave

Mejor Música Original
Ganador: 
Gravity(Steven Price)
Candidatos:
The Book Thief (John Williams)
Her (William Butler y Owen Pallett)
Philomena (Alexandre Desplat)
Saving Mr. Banks (Thomas Newman)

Mejor Canción Original
Ganadora: 
Let it Go, de Frozen (Kristen Anderson-Lopez y Robert Lopez)
Candidatas:
Happy, de Despicable Me 2 (Pharrell Williams)
The Moon Song, de Her (Karen O. y Spike Jonze)
“Ordinary Love” , de Mandela: Long walk to Freedom (Paul Hewson, Dave Evans, Adam Clayton y Larry Mullen)

Mejor guión adaptado
Ganador: 
12 Years a Slave (John Ridley)
Candidatos:
Before Midnight (Richard Linklater, Julie Delpy y Ethan Hawke)
Captain Phillips (Billy Ray)
Philomena (teve Coogan y Jeff Pope)
The Wolf of Wall Street (Terence Winter)

Mejor guión original
Ganador: 
Her (Spike Jonze)
Candidatos:
American Hustle (Eric Warren Singer y David O. Russell)
Blue Jasmine (Woody Allen)
Dallas Buyers Club (Craig Borten y Melisa Wallack)
Nebraska (Bob Nelson)

Mejor director
Ganador: 
Alfonso Cuarón, Gravity
Candidatos:
David O Russell, American Hustle
Alexander Payne, Nebraska
Steve McQueen, 12 Years a Slave
Martin Scorsese, The Wolf of Wall Street

Mejor actriz
Ganadora: 
Cate Blanchett, Blue Jasmine
Candidatas:
Amy Adams, American Hustle
Sandra Bullock, Gravity
Judi Dench, Philomena
Meryl Streep, August: Osage County

Mejor actor
Ganador: 
Matthew McConaughey, Dallas Buyers Club
Candidatos:
Christian Bale, American Hustle
Bruce Dern, Nebraska
Leonardo DiCaprio, The Wolf of Wall street
Chiwetel Ejiofor, 12 Years a Slave

Mejor película
Ganadora: 
12 Years a Slave (Steve McQueen)
Candidatas:
American Hustle (David O. Russell)
Captain Phillips (Paul Greengrass)
Dallas Buyers Club (Jean-Marc Vallée)
Gravity (Alfonso Cuarón)
Her (Spike Jonze)
Nebraska (Alexander Pyne)
Philomena (Stephen Frears)
The Wolf of Wall Street (Martin Scorsese)

Por Catalina Arancibia Durán y Werner von Mayenberger Risi