Call Me By Your Name: la historia de un amor universal.

Luca Guadagnino, director italiano, se posiciona hoy como uno de los favoritos de los Oscars de este año y no por menos, uno de los más devastadores y románticos, pues más allá de poner en pantalla un romance homosexual, ha logrado llevar a las salas de cine una de las adaptaciones románticas más universales de los últimos años.

Call Me by Your Name, basada en la novela homónima de André Aciman, nos cuenta la historia de Elio, un joven de 17 años que se enamora de Oliver, un guapísimo estudiante norteamericano que va a terminar su doctorado a la casa de sus padres ubicada en la hermosa región de Liguria, Italia.

De esta forma, la película nos envuelve con hermosos parajes que evocan y refuerzan un romance que se posterga a lo largo de la película, hundiéndonos en nuestros asientos esperando ese beso, el contacto carnal y la concreción de lo que se va gestando a medida que avanza el filme. Ambientado en 1983, el escenario nos lleva a revivir una época que cada día que pasa parece más lejana, en donde el contacto visual, el diálogo y las anécdotas del cotidiano, se alejaban de las redes sociales y la impersonalidad que reina en la actualidad.

Un amor, sin duda adolescente, que nos llega a todos, pues parece una representación global, al encarnar personajes sumamente interesantes que más allá de expresarse libremente, se comunican a través de pequeños gestos que funcionan bajo la dinámica de un primer y tímido amor, que aun cuando fuese platónico (en nuestros casos), resulta por ser un primer enamoramiento inolvidable, sobre todo, cuando hablamos de dos enamorados que se distancian en edad. Así, el filme nos va introduciendo de manera muy lenta y pausada, casi contemplativa, en el núcleo de un romance que hará crecer y madurar sobre todo a Elio a través de una desilusión amorosa, que no se presenta como algo devastador hacia su yo exterior, sino hacia lo más profundo de su corazón, y que finalmente, como para todos, resulta necesario.

De esta forma, la cinta se centra en el deseo encarnado en el cuerpo y la esperanza del contacto. Con una actuación sumamente conmovedora, Timothée Chalamet nos transmite esa necesidad silenciosa y juvenil, casi desesperada del tacto. Mientras que el director a través de la composición estética de cada uno de los cuadro nos invita a observar el fruto de ese deseo, contemplativo, erótico que representa Oliver.

Si bien, la película cuenta con todos los recursos para crear una sinfonía amorosa en donde la plasticidad, la música y los diálogos nos cautiven, muchas veces produce un agotamiento emocional y mental que agobia, pues el relentí de la trama a ratos, nos cansa o aburre, más aún cuando estamos acostumbrados a películas y romances más dinámicos.

Con diálogos que en instancias rayan en un coqueteo existencialista juvenil, la película deja tramas abiertas y misterios sin resolver  (como la sexualidad del padre), pero patentando esa primera necesidad carnal que a veces nos lleva a sentir vergüenza y a acallar emociones que ojalá en nuestra adolescencia pudiésemos haber concretado.

Por otro lado, y es imposible no destacarlo, el filme nos lleva a enamorarnos y sumergirnos en el verano italiano – francés que cautiva y germina en nuestros corazones emociones que parecen olvidadas de nuestra juventud, con una contemplación corporal digna de la cultura grecorromana y con una musicalidad que evoca al cine europeo de antaño. Call Me By Your Name, es una película que vale la pena contemplar para recordar esos años en los que el amor se vivía para conocer, crecer y más que nunca, evolucionar.

Dato OjoenSerie: según planteó su director en  un coloquio realizado en el Festival de Cine BFI de Londres, no descarta la posibilidad de realizar una segunda parte de la película, ambientada siete años después de la bajada de telón de esta entrega.  Sabemos que las segundas partes muy pocas veces superan a sus predecesoras,  por lo que esta noticia no resulta muy alentadora. Esperamos que Guadagnino, no asesine la atmósfera que generó Call Me By Your Name, dándonos respuestas que muchas veces no son necesarias, convirtiendo a su película en el Before Sunrise de nuestra década.

FICHA TÉCNICA

Puntuación OjoEnSerie: 7.5

Puntuación IMDB: 8.3

País: Estados Unidos

Año: 2018

Director: Luca Guadagnino (Io sono l’amore, A Bigger Splash)

Guión: James Ivory

Reparto:

Elio – Timothée Chalemet (Lady Bird, Interstellar, Homeland)

Oliver – Armie Hammer (The Social Network, Nocturnal Animals, Gossip Girl)

Mr. Perlman – Michael Stuhlbarg (The Shape of Water, The Post, Doctor Strange)

 

TRAILER

Por Werner von Mayenberger R

The Post: los archivos del Pentágono

The Post, la última producción de Steven Spielberg, resulta un alegato de libertad de expresión en el Estados Unidos de Trump. Con la participación de varios actores consagrados, como Meryl Streep y Tom Hanks, se posiciona como una de las favoritas para mejor película en los próximos premios Oscar.

La historia sigue el caso real que enfrentó a dos medios de comunicación (el New York Times y el Washington Post) contra el gobierno de Nixon, debido a la publicación de material secreto que podía poner en riesgo la integridad del país. El estudio hacía alusión a la guerra de Vietnam y al hecho de que se sabía con anterioridad la imposibilidad de ganarla, y sin embargo, se siguió enviando inocentes a morir por una causa que la población no comprendía.

La cinta nos muestra el poder de los periódicos en aquellos años, y cómo a través de este caso se logró la deseada libertad de prensa, aunque perjudicara al gobierno de turno. El tema no deja de ser relevante, en especial en la actualidad, donde la información puede distribuirse de manera bastante fácil por internet, pero aun así han existido casos emblemáticos como el de Julian Assange, perseguido por difundir información confidencial en el sitio WikilLeaks.Uno de los grandes defectos de la cinta es su ritmo, pues se siente caótica y con exceso de información, así como también le cuesta decidirse por un protagonista, y nos muestra además demasiados personajes en los que no profundiza, muchos de la vida real, que no necesariamente todo espectador reconocerá de inmediato, y que requiere de alguien muy atento e informado para seguir la trama.

Asimismo, la cinta intenta construir una cierta mística alrededor de esta historia, con una buena dosis de patriotismo (infaltable en Hollywood), mostrando a la prensa como la salvadora de la población y la gran detractora de la corrupción del gobierno. Si bien este caso caló hondo en la sociedad, pues la guerra de Vietnam fue bastante repudiada, en especial por el movimiento hippie de aquellos años, el efecto esperanzador no se logra y deja poco satisfecho al espectador con un final bastante predecible.

Queda rondando la duda de por qué la cinta se centró en el periódico local The Washington Post, cuando el primero en publicar sobre el tema y ser atacado por el gobierno fue el New York Times, pero lo importante es observar como la unión de todos los medios finalmente logró la presión necesaria para otorgar los derechos que la constitución prometía.

Hacia el final, la película parece decidirse por el personaje de Meryl Streep e intenta dar una visión de mujer empoderada, que se enfrenta a los cánones patriarcales del periodo y demuestra que puede estar al mando de un negocio dominado por hombres. Es una interesante adición a una cinta más que nada informativa sobre un caso bastante polémico en la historia de la prensa estadounidense, pero no alcanza para llevar el filme a las alturas que auguran dos nominaciones.

FICHA TÉCNICA

Puntuación OjoEnSerie: 5.8

Puntuación IMDB: 7.4

País: Estados Unidos

Año: 2018

Director: Steven Spielberg (E.T., Schindler’s List, Saving Private Ryan, Catch me if you can, Munich, saga Indiana Jones, saga Jurassic Park).

Guión: Liz Hannah, Josh Singer (Spotlight)

Reparto:

Kay Graham – Meryl Streep (Kramer v/s Kramer, Sophie’s choice, The house of the spirits, The bridges of Madison County, The devil wears Prada, The hours, Mamma mia!, Iron Lady)

Ben Bradley – Tom Hanks (Big, Forrest Gump, Saving Private Ryan, You’ve got mail, The Green Mile, Castaway, Catch me if you can, The Da Vinci Code, Captain Philliips)

Ben Bagdikian – Bob Odenkirk (Better Call Saul, Nebraska, Breaking Bad)

Robert McNamara – Bruce Greenwood (Star Trek, American Crime Story, Gerald’s Game)

Abe – Terence Stamp (Star Wars: Episode I, Yes Man, Smalville)

TRAILER

Por Catalina Arancibia Durán

The Shape of Water y el afán inclusivo de los premios Oscar de este año:

El teatro, el cine, la literatura y el arte en general, aunque se discuta, siempre ha tenido un vínculo irrefutable con su contexto y con la sociedad que se gesta a su alrededor, como se puede ver en las nominaciones al Oscar de este año, que sin dudarlo y casi a propósito, han propuesto películas que son reflejo de una de las principales necesidades de nuestro entorno: la inclusión y el respeto por la diversidad.

Es por esto, que no nos parece extraño que Guillermo del Toro, sincronizado con una necesidad social, logre posicionarse como el favorito de los críticos y el público, presentando un filme que engloba todo lo que los premios de la academia pretenden destacar este año: personajes segregados, empoderados; que hablen de su sexualidad libremente y que se posicionen sobre un mundo que parece ser arcaico y falto de comprensión, con villanos que no presentan ningún tipo de matiz, separando casi absolutamente lo “bueno” de lo “malo” y dando una visión, que en efecto, promueve la inclusión, pero que parece absoluto.

De esta forma, la talentosa Sally Hawkins, encarna a Elisa Esposito, un personaje que pertenece los sin voz (literalmente), que resulta en suma adorable, cercano y sobre todo humano, que luego de los primeros quince minutos, cala hondo en nuestros corazones. Elisa es un alma noble, cuida a su vecino (un artista homosexual frustrado), y escucha pacientemente los alegatos de su compañera de trabajo negra que segregada por la sociedad contextual del filme y disminuida por su marido que “no la escucha”, se la lleva reclamando frente a lo que nuestra protagonista solo sonríe.

Elisa trabaja en el servicio de limpieza de una instalación militar donde conoce a un peculiar “hombre pez” que termina por enamorarla. Así, el personaje se nos presenta dentro de una dinámica de cuentos de hadas, que si bien, es repetido, encaja perfecto en nuestra sociedad actual. La película incluso, comienza con una narración de voz en off, que prelude los acontecimientos, y nos informa que lo que vamos a ver es, en efecto, “un cuento de hadas”, siendo inevitable pensar en el cliché de la Bella y la Bestia, y relacionar la mudez del personaje hasta con La Sirenita, pues Elisa es una fan acérrima de los musicales y el Tap, de las películas románticas y aunque no se nos informe, sabemos que es una enamorada del amor y lo encontrará en el lugar menos esperado.

Así, del Toro nos presenta una fantasía donde la inclusión, el respeto y el amor, se patentan como núcleo dramático. Para ejemplificar lo anterior, enfoquémonos en la relación sexual que mantiene la protagonista con la “bestia acuática”, situación que no pasa desapercibida para los espectadores, y mucho menos para los personajes, quienes, al no emitir un juicio de valor, destacan la idea de un amor sin barreras (en su forma y contenido), resultando de esto algo único y pocas veces antes visto en pantalla.

Por otro lado, el mismo personaje acuático, en este caso la bestia, se presenta como una metáfora inclusiva, pues “a primera vista”, no expone su valor y se nos muestra tal como el resto lo ve: como algo barbárico, anecdótico, desconocido, pero a medida que avanza el filme vamos viendo que esta extraña criatura trae consigo “súper poderes” que terminan por representar: “lo bello que está detrás de las cosas que a primera vista nos parecen extrañas”.

El villano por su parte, refuerza nuestra teoría, ya que se posiciona como algo absoluto, ciego, y determinista. Michael Shannon, es el encargado de dar vida a Richard Strickland, el encargado del proyecto que Elisa pretende proteger. Richard no tiene alma, es materialista, machista, y no presenta ninguna debilidad, ni matiz, presentándose como un mal oscuro, terco y demasiado extremista (a mi gusto), un Pastor Soto cualquiera (dirían), pues aun cuando se nos muestra en familia, con una mujer e hijos, no se deja espacio para dudar de su maldad, y ni siquiera se justifica, terminado por ser, odio e incomprensión pura, contraponiéndose al personaje de Elisa, que acepta lo que sea, como sea.

Entonces, The Shape of Water, viene a ser una demostración de lo solos que hemos estado en el mundo, preocupados de nosotros mismos, y de los defectos del resto. Elisa, por primera vez no se siente sola, Elisa por primera vez siente que la comprenden, que la escuchan como solo ella ha sabido escuchar.

Finalmente para terminar-refirmar el trendingtopic de los Oscar, basta decir que The Post, que aborda el empoderamiento femenino, Call Me by Your Name, que nos muestra un amor de verano homosexual, al más puro estilo del cine de autor italiano de antaño, Get Out que metaforiza la opresión de los negros, Lady Bird, con la incomprensión adolescente y nuestra nominada nacional Una Mujer Fantástica con una protagonista transexual (no seguiremos repitiendo), nos dejan en claro que este año, el gran ganador resulta ser todo aquel que en algún momento se sintió fuera de este mundo, y aunque del Toro no es novedoso incluso en su historia (existe un corto que presagia -bastante- su película: click aquí), logra darle voz a quienes más han gritado este último tiempo.

FICHA TÉCNICA

Puntuación OjoEnSerie: 7.0

Puntuación IMDB: 7.8

País: Estados Unidos

Año: 2017

Director y guion: Guillermo del Toro (El Laberinto del Fauno, Don’t Be Afraid of the Dark, Crimson Peak)

Reparto: 

Elisa Esposito – Sally Hawkins (Godzilla 2014, Blue Jasmine, Maudie, Paddington I y II)

Richard Stickland – Michael Shannon (Take Shelter, Midnight Special, Nocturnal Animals)

Zelda Fuller – Octavia Spencer (The Help, Gifted, The Free World, The Divergent Series)

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Por Werner von Mayenberger Risi

Mother! Entre lo Santo y lo Profano. Un reflejo de una sociedad en decadencia.

Mother! es la última película dirigida por Darren Aronofsky, que como antes, hoy nos hace peinar la muñeca, un poco por su llamado a interpretar su juego creativo propuesto en pantalla, y aquí te mostramos qué es lo que pudimos ver, respecto de lo que el director nos quiso presentar.

Una película llena de simbolismos protagonizada por Jennifer Lawrence y Javier Bardem, que por supuesto tiene un final abierto y una narrativa circular que nos ayuda a jugar un poco al momento de forjar nuestras propias interpretaciones. Dejando en claro antes de empezar, que nada de lo que se vierte aquí es algo nuevo u absoluto, es solo nuestro punto de vista respecto de una película que está dando mucho que hablar, y sobre todo, que pensar.

 

Mother! y la Biblia

Primero citaremos al director que nos dice qué: “la estructura del filme fue La Biblia, y la usé para contar la forma en que los humanos vivimos en la Tierra”, y de aquí partiremos.

Lawrence está remodelando la casa (La Tierra), que espera “sea un paraíso”, luego de un incendio que sabemos sucedió antes, pero no sabemos mucho por qué ni cómo. Bardem por su parte, es un poeta famoso, que ve truncada su capacidad creativa y busca constantemente inspiración para lo que él dice es su fin en la vida: crear. Por lo tanto, tenemos en primera instancia un dios creador, simbolizado por un poeta que junto a su mujer buscan crear un paraíso propio luego de una tragedia que los obliga a “empezar de nuevo”. Pensando bíblicamente “cuando todo era un caos”.

A medida que avanza la trama no entendemos muy bien por qué, pero llega un primer extraño que dice estar perdido. Ed Harris, actor que encarna a “Hombre” simboliza a Adan, qué llega a la tierra, pero un Adan del que Lawrence desconfía, ya que se ve muy extraño y está lleno de vicios que ella no comparte, como el cigarrillo y el alcohol. Bardem de todas formas invita al extraño a quedarse en la casa, extraño que resulta ser un admirador del poeta como creador y provoca en él los primeros atisbos de creatividad, pues siente la casa viva y llena de experiencias ajenas que él puede tomar y utilizar, para luego crear.

Michelle Pfeiffer representa a Eva o “Ella”, que llega a la casa a buscar a su marido después de que en una escena a Ed se le viera (y perdiera) una costilla, mientras vomita en el baño (muy literal). Al llegar Pfeiffer, cuenta que el amor con su marido fue a primera vista, casi como si hubiesen sido puestos uno frente al otro, muy Adán y Eva. Así Eva pone más incómoda aún a Lawrence que ve que su casa se llena de gente que es muy rara, ajena e impura. Pues Pfeiffer representa la lujuria, la Famme Fatale, el egoísmo y la falta de empatía.

Aún así el poeta les permite quedarse, pues quiere “llenar de vida” la casa, quiere que las ideas fluyan.

Otro de los links bíblicos es la oficina del poeta, lugar dónde ocurre la creación, una reinterpretación del paraíso, ya que esta oficina emboba a Adán y Eva. Bardem incluso, les muestra una piedra hermosa y muy simbólica para él, resultado del anterior incendio ocurrido en la casa (o en la tierra) que guarda celosamente en su oficina (o paraíso), con la que Pfeiffer se obsesiona, aun cuando Lawrence le prohíbe la entrada al lugar sin que esté su marido presente. Por supuesto, la mujer termina rompiendo la piedra (el fruto prohibido), desatando la ira del dueño de casa quien clausura su oficina llenando de tablones la puerta. Lawrence intenta expulsarlos de la casa, sin lograrlo y Bardem los perdona.

Aquí el perdón es muy importante ya que explica el porqué de la permanencia de los otros personajes en escena. Ya que nuestro dios tiene una capacidad enorme para perdonar, sentir empatía y cuidar a sus invitados. Pues como hemos reiterado, son quienes le dan vida su espacio.

Así con los días llegan los hijos de Pfeiffer y Ed Harris, que son una clara representación de Caín y Abel, pues el hermano mayor está celoso del menor, ya que es más idóneo para heredar “el negocio” del padre enfermo. Acá el hermano menor es evidentemente el preferido, y tal cuál ocurre en la Biblia, termina por ser asesinado por su hermano mayor (quien debía cuidarlo), con un golpe en la cabeza. Finalmente, el hermano mayor, debe “vagar por el mundo cargando con la culpa”. Otra cosa muy bíblicamente literal.

Es aquí donde comienza a conformarse la tragedia, sobre todo para Lawrence que ve que su casa es cada vez más invadida, que su marido no la toma en cuenta para las decisiones, y que incluso ni siquiera la desea.

En el lugar donde muere el hijo menor queda una gran mancha de sangre que Lawrence lucha por sacar sin éxito. Simbolizando el nacimiento del infierno, pues la mancha se transforma en un hoyo que da hacia el sótano, y que ayuda a Lawrence a descubrir una caldera que más adelante será la detonante de la destrucción total o el Apocalipsis. Una manera muy creativa de representar al infierno. Es más, esta mancha aparece en dos oportunidades en la película y se relaciona netamente con los “vicios” del mundo que nacen a partir de la muerte y el asesinato entre hermanos, que debían amarse.

Luego y aunque parezca insólito, el dueño de casa permite que Pfeiffer y Harris realicen el velorio de su hijo en el hogar que han estado “destruyendo”. Lawrence comienza a colapsar y aparecen más personajes que vienen a representar los errores humanos y los vicios sociales que terminarán por destruirnos como sociedad.  Personajes que pintan, destruyen y enturbian la casa en la que Lawrence ha trabajado tanto.

Aquí es donde el agua toma muchísima importancia, ya que, Larewnce les advierte a unos invitados que no se sienten en el lavaplatos pues no está bien agarrado, pero estos no escuchan y representan la necedad y sordera social característica del antiguo testamento y lo terminan por romper y destruir las cañerías de la casa.

Siendo aquí donde Lawrence expulsa a todos de su casa y su marido la apoya, la casa se moja entera, afuera llueve muchísimo y deben abandonar el hogar. Representando claramente la idea del diluvio.

Hasta aquí todo bien. La pareja por fin recupera la tranquilidad. Ambos tienen sexo y concluye en un embarazo. (Nuevo testamento)

De aquí en adelante la interpretación es clara. Lawrence lleva en su vientre al hijo de dios. Este está tan feliz que se inspira y termina por fin su obra maestra: los diez mandamientos.

Lawrence al ver la obra terminada, leerla y analizarla, llora diciendo que, teme perder a su marido. ¿Por qué? Pues porque como ella dice: “esto es demasiado”. Bardem publica la obra incluso sin saber si su público está preparado para ella. Esto asusta a Lawrence. La primera edición de la obra se vende inmediatamente y Lawrence se convierte en la inspiración principal, pues representa el amor.

Así comienza nuevamente la tragedia, gente de todo el mundo viene buscando a su salvador, los diez mandamientos producen un impacto real en el público y comienzan a llegar a la casa felicitando a su creador, y hasta aparece una editora que representaría a Moisés su fiel seguidor.

De aquí en adelante todo se vuelve muy simbólico, pues Lawrence embarazada, debe vivir la progresión de Jesús hasta la cruz y su posterior muerte. Vemos el nacimiento de este casi literalmente en un pesebre donde llegan regalos y existe un momento de calma (momentánea). La madre busca proteger al hijo y el padre busca mostrarlo a su público o seguidores. Existe una lucha entre ambos y finalmente Lawrence se duerme (no vence) y  su marido termina por entregar a la humanidad su propio hijo, quienes terminan asesinando al bebe de una manera muy escabrosa y tormentosa. Llega el momento de la crucifixión.

Desde aquí todo empeora, pues la ahora Madre Tierra (Lawrence) se ve sobrepasada y por primera vez en toda la película asume el hogar como suyo y en medio del desastre decide echarlos ella misma. Aun así, no lo logra y termina siendo pisoteada por una humanidad (literalmente una humanidad dentro de una casa) que es egoísta y no se preocupa por nadie más que por ellos mismos y su bienestar.

Por último, Lawrence termina bajando al sótano, entrando al infierno y utilizándolo para poder liberarse del lugar que ni dios le permite abandonar. Así quema por completo la casa y lo que ella contiene. Bardem que no sufre ni un rasguño toma a Lawrence y la lleva calcinada y moribunda a lo que queda del paraíso (su oficina). Lawrence muy apenada le indica que ya “no le queda nada para entregar”, lo que nos entristece (espero a todos), pues ella agotó todos los recursos para lograr la felicidad de ella y su marido. Crear su paraíso.

Sin embargo, Bardem quiere aún algo que Lawrence tiene, y es el amor que aún queda en su corazón. Ella, ya cansada se lo entrega frente a la insistencia de su marido que indica: “que necesita crear” e intentarlo de nuevo. Así se crea una nueva piedra (o fruto prohibido), que anecdóticamente nace de un amor incondicional y muy puro que ayuda a Bardem a volver al comienzo de la historia para volver a intentarlo, esperando no cometer los mismos errores.

De esta forma se va configurando dentro del filme un discurso que radica en lo bíblico, pero que se traslada hacia lo social. Una representación de como abusamos de nuestro entorno y de cómo nos embobamos con todo aquello que parezca salvarnos de nuestros propios errores. De todas formas, como ya hemos mencionado en el post anterior, la interpretación es sumamente personal y los llamamos a comentar y discutir alrededor de la película que sin lugar a dudas nos posiciona en una creación dialógica, pues el director-creador, nos llama a que nosotros mismos terminemos su trabajo interpretando de la manera que mejor nos parezca.

Mother! y otros:

Bien dijimos que Mother! tiene múltiples interpretaciones, pero además, estamos convencidos que guarda aún más secretos de los que creemos. Pues por ejemplo algo que aún no logramos entender es qué importancia tiene el líquido que Lawrence toma cada vez que su corazón se convierte en piedra.

Por otro lado, la inquietante analogía que se hace respecto del amor nos parece hermosa. Pues al final de la película, podemos ver que lo que importa en el mundo es el amor. Siendo lo que nos vuelve humanos y nos permite existir dentro del mundo que dios configura para nosotros.

Así mismo la idea del tiempo cíclico, (intentos infinitos de Bardem por crear un mundo perfecto), puede hacer referencia al mito griego de la creación de mundo, donde los dioses crean distintos tipos de “hombres” (oro, plata, fresno, bronce y hierro o poetas) pues la creación del ser humano está basada en el ensayo y el error de los mismos dioses que buscan un ser humano idóneo para gobernar. Ahora también la idea de que exista una reconstrucción de mundo, o múltiples intentos por parte de dios, lo humaniza pues él también se equivoca y no puede controlar lo que ocurre realmente en la tierra cegado por su capacidad de perdón o por su sed de adoración.

Es interesante la construcción del personaje de Lawrence, ya que a pesar de representar a la «Madre» o el «Amor», su dramatización, su contextualización, su progresión dramática nos llama a empatizar con ella, la entendemos y la acompañamos en su angustia a lo largo del filme, sintiendo intensamente sus emociones, pero sobre todo, su desesperación y desconcierto, lo que nos mantiene atrapados y nos ayuda a generar juicios respecto de los otros personajes e incluso de sus relaciones.

Muy bien señala el director que este no es un film de terror o suspenso, es un Thriller psicológico, que busca perturbarnos, incomodarnos y hacernos reflexionar incluso de nosotros mismos nuestras actitudes, respecto del ser humano en general y la sociedad en la que estamos sobreviviendo. Incluso podemos relacionar lo anterior con el signo de exclamación en el nombre de la película, pues podría representar un llamado de atención o la impotencia de Lawrence al no poder escapar de su destino, ¿Volvemos a la determinación naturalista del siglo pasado?

También y para terminar  (pues podríamos continuar) la selección del poeta como personaje representativo de Dios, nos parece una analogía hermosa, pues bien decía el poeta chileno Vicente Huidobro en su manifiesto Creacionista “Non Serviam” que la capacidad creadora era infinita, y el poeta era el creador de mundos por excelencia. Teniendo mucha relación lo anterior, con todo lo que ocurre en la película y la configuración de personajes. Esperamos, les haya servido y que Darren Aronofsky haya basado la elección de su personaje principal en nuestro poeta nacional y su concepción creativa. Pues sería un honor que nuestro país, aún en imaginación, estuviese involucrado en una obra al parecer “maestra”.

 

Sin tanto spoiler te ayudamos a entender Mother! antes de verla por primera vez.

Hay películas que uno va a ver al cine con muchísima expectativa, más cuando el filme es dirigido por un director que sabemos atrapa con sus narrativas y estructuras innovadoras, perturbadoras, e impactantes, pero sobre todo reflexivas.

Hoy incluso y como plus, esta expectativa se ve potenciada sobre todo por el revuelo que pueda provocar una película en redes sociales, cosa que el filme que nos convoca, claramente provoca.

Darren Aronofsky, director de Pi, Requiem for a Dream, The Fountain y Black Swan, sabemos raya la papa, y nosotros muchas veces lo hacemos con él.  Aronosfky constantemente pone en pantalla personajes obsesivos, sumamente complejos que, al parecer, representan en parte, la personalidad creativa del director, ya que en sus producciones vemos cómo este no deja nada al azar preocupándose de cada detalle en su construcción, patentando un hermoso TOC audiovisual, llamando al espectador a reflexionar y ser crítico al momento de observar lo que se resuelve en la pantalla.

El director de Noah, película basada en una reinterpretación fantástica de una de las historias más conocidas de la Biblia (El arca de Noe), nuevamente nos posiciona en lo más abstracto de su mente y nos trae una nueva producción basada en pasajes bíblicos:

Mother! mediante el génesis bíblico construye un mundo ficcionado que produce que divaguemos en torno a reflexiones literarias, creativas, sociales y humanas que nos hacen perturbadoramente mucho sentido.

Aquí la historia pierde protagonismo y se sobrepone la interpretación, el simbolismo, la emocionalidad y la construcción audiovisual. Pues, muchos no entendemos aún, hasta qué punto el director nos permite reflexionar con su puesta en escena.

“Tenía la intención de que fuera ambigua porque realmente no tiene historia, es más bien una estructura. No todos están entiendo eso; hay cosas, guiños y conexiones, y creo que eso es parte de la diversión cuando hablas de la película”.

La interpretación es libre y decir que solamente está ligada al génesis bíblico (aunque sea su centro), sería algo errado, pues el mismo director nos llama a dejarnos llevar por nuestro poder reflexivo y eso es lo que haremos (sin tanto spoilers como el resto) para si la ves, vayas con atisbos interpretativos que te abrirán la mente:

Los personajes principales Jennifer Lawrence y Javier Bardem, recién casados, viven en una casa que Lawrence está remodelando luego de un incendio. Bardem por su parte, es un poeta famoso, que ve truncada su capacidad creativa y busca constantemente inspiración para lo que él dice es su fin en la vida: crear.

Veamos aquí al poeta tal como diría Huidobro en su manifiesto creacionista, como un creador de mundos (hermoso). Mientras que Lawrence viene a representar a la musa inspiradora, la semilla o la madre, quien reconstruye un contexto para así volverlo idóneo y fundamental para la creación a través del amor verdadero.

Así y desesperado por despertar su creatividad, el personaje masculino comienza a dejar entrar a su casa (la tierra, su tierra) a extraños que vienen a perturbar el orden de las cosas, pero que, sin embargo, llenan de inspiración al creador. Estos extraños, interpretados por Ed Harris y Michelle Pfeiffer, son los primeros en visitar el hogar reconstruido de la pareja y un poco vienen a hacer el link directo con el génesis bíblico simbolizando a Adan y Eva.

Ojo que hasta aquí no te hemos contado mucho, pero sí podemos patentarte uno de las dos interpretaciones que puedes ir haciendo enfocada a una reinterpretación (que resulta hermosa), de la historia de La Biblia, pero también de la poesía, el artista, el mundo y su ego, así como también de la sociedad, sus vicios obsesiones e imperfecciones.

Creemos que resulta muy enriquecedor ir a ver la película preparado y con un pie forzado que finalmente nos representa una creación audiovisual exquisita, que de manera muy bien lograda nos ayuda a crear incluso a nosotros a través de nuestras propias interpretaciones, pues acá el simbolismo, las conexiones, el quehacer, es lo que importa y sobre todo impacta, atrapa y enriquece el filme.

Ahora, si ya la viste y quieres saber qué interpretación nos hizo más sentido a nosotros y qué cosas se te fueron escapando a lo largo del filme, lee nuestro otro post (haz click aquí) que sí contiene spoilers explícitos que en una de esas, si aun no la has visto, en cierta medida, pueden arruinarte el juego o convertirte el filme en algo más jugoso. Hay para todos los gustos.

FICHA TÉCNICA

Puntuación OjoEnSerie: 8.0

Puntuación IMDB: 7.0

País: Estados Unidos

Año: 2017

Director: Darren Aronofsky (Pi, Requiem for a Dream, The Fountain y Black Swan)

Guión: Darren Aronofsky (Pi, Requiem for a Dream, The Fountain y Black Swan)

Reparto: 

Him  – Javier Bardem (OO7 Skyfall, The Sea Inside, Eat Pray Love, Vicky, Cristina, Barcelona)

Mother – Jennifer Lawrence (Winter’s Bone, X: First Class, The Hunger Games, Silver Linings Playbook, American Hustle, Joy)

He – Ed Harris (A Beautiful Mind, Gravity, Westworld)

She – Michelle Pfeiffer (Batman Returns, Scarface, Dangerous Liaisons)

TRAILER

 

Passengers: There is a reason they woke up

La idea tras la cinta Passengers es bastante ingeniosa y característica de las historias de nuestra era: un hombre que viaja por el espacio junto a otras cinco mil personas a habitar un nuevo planeta, despierta antes de lo esperado y le quedan 90 años en una nave donde solo tiene robots como compañía.

Como premisa resulta interesante, pues podríamos estar frente a un náufrago de nuestro tiempo y sus vicisitudes para afrontar esta travesía, que a diferencia de la emblemática película de Tom Hanks de fines de los noventa, cuenta con comida asegurada para toda su estadía, cama y entretenciones, el problema aquí es la soledad y el encierro en un mundo de acero donde el infinito que lo rodea le hace perder la esperanza.

La película comienza bien por ese lado, pero el giro que toma la convierte en una historia que hemos visto demasiadas veces, porque la trama se enfoca en el romance entre Jim (Chris Pratt) y Aurora (Jennifer Lawrence), pues tras un año de soledad, nuestro náufrago se enamora de una chica a la que decide despertar.

El nombre de la coprotagonista no es casual (recordemos que lleva el nombre de la bella durmiente), pues Jim no sólo la despierta físicamente, sino a un nivel emocional, ya que es una mujer que jamás ha centrado su vida en torno a sus sentimientos. Aurora es una escritora fuerte y decidida, cuya misión es retratar la vida en el futuro con una visión de alguien del pasado (el viaje dura 120 años), y el estancamiento en la nave y el hecho de que morirán antes de llegar a destino, la deprime. El resto de la cinta se enfoca en el descubrimiento del acto egoísta de Jim, los desperfectos de la nave y el intento de ambos de salvarse a sí mismos y a los que viajan con ellos.

El director de la película, Morten Tyldum, ya estuvo nominado el año pasado como mejor director por The Imitation Game y ciertamente con Passengers ha seguido un camino muy diferente, pues los efectos especiales, la visión del espacio, las explosiones y tecnología es utilizada de forma grandilocuente, con una cámara que busca acentuar la intriga y la tensión antes que estetizar la experiencia.

Este es un film que entretiene y mantiene la atención del espectador, pues estamos frente a dos personajes bonitos, carismáticos y enamorados, quienes representan a los nuevos Adán y Eva en su lucha por aceptar que esta nave será su paraíso y deben aprovechar al máximo la experiencia de quererse y existir. Lamentablemente la historia se queda en eso, cuando podrían haberse profundizado muchísimas aristas más, explorando la dimensión filosófica de la existencia, del ser humano y el concepto de habitar ciertos espacios.

Con dos nominaciones al oscar en aspectos más bien técnicos (mejor diseño de producción y mejor banda sonora), está bien para un domingo por la tarde, pero está lejos de conquistarnos y quedarse en el inconsciente colectivo como la interpretación de Tom Hanks en Cast Away.

FICHA TÉCNICA

Puntuación OjoEnSerie: 6.0

Puntuación IMDB: 7.0

País: Estados Unidos

Año: 2016

Director: Morten Tyldum (The Imitation Game)

Guión: Jon Spaihts (Prometheus, Doctor Strange)

Reparto: 

Jim  – Chris Pratt (Everwood, Bride Wars, Moneyball, Parks and Recreation, Guardians of the Galaxy, Jurassic World)

Aurora – Jennifer Lawrence (Winter’s Bone, X: First Class, The Hunger Games, Silver Linings Playbook, American Hustle, Joy)

Arthur – Michael Sheen (Underwold, The Queen, Blood Diamond, Midnight in Paris)

Gus – Laurence Fishburne (Matrix, Mystic River, Contagion, Batman V Superman: Dawn of Justice)

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Por Catalina Arancibia Durán

La La Land: Here’s to the fools who dream

La La Land es un claro homenaje a los glamorosos musicales del Hollywood de los años dorados, con referencias a la emblemática pareja de baile Fred Astaire y Ginger Rogers y al inolvidable Gene Kelly que pasó a la historia en Singin’ in the rain. Referencias como éstas abundan y la estética del film es perfecta, pues aunque se sitúa en la actualidad, el vestuario y el entorno están constantemente recordándonos una época anterior.

La cinta tiene como protagonistas a Mia (Emma Stone) y Sebastian (Ryan Gosling), dos jóvenes con sueños: una aspirante a actriz y un pianista que desea instalar un bar de jazz. La historia sigue sus encuentros y desencuentros, pues el amor no sucede a primera vista y la química de la pareja resulta perfecta para armonizar con las coreografías y canciones que funcionan como contrapunto de las situaciones más importantes de la trama.

La magia de los musicales, aquellas historias donde todos eran bonitos, perfectos y terminaban felices, sólo funciona como un referente, pues poco a poco se nos instala en las luchas y dificultades por lograr lo que quieres en un mundo inhóspito y lo imposible que puede ser mantener una relación de pareja bajo estas condiciones.

Podemos referirnos entonces a una actualización del musical clásico, en una visión posmoderna de la realidad en que muchas cosas están muriendo (de ahí el intento de Sebastian de revivir el verdadero jazz), donde no todas las escenas de la vida ameritan una canción y donde debe priorizarse la individualidad en una existencia cada vez más competitiva.

Los personajes están muy bien esbozados, en un arco que nos permite conocer su carácter y aceptar sus acciones, con actuaciones que conmueven, en especial el rostro de Emma Stone al final del film, en que se enfrenta el desenlace feliz con números de baile espectaculares que se espera de un musical y la realidad en un mundo donde muchas veces se debe elegir entre las relaciones y la realización personal.

El director y guionista del film, Damien Chazelle, ya tuvo bastante reconocimiento el año pasado con su aclamada Wiplash, que de sus cinco nominaciones al oscar, recibió tres (mejor actor secundario, mejor edición y mejor mezcla de sonido). Esta vez vuelve a
abordar historias centradas en pasiones, sacrificios y sueños de jóvenes que deben aprender a sopesar sus expectativas y aceptar la vida tal como se les ofrece, con una pareja
protagónica que cautiva y una canción principal maravillosa.

Con catorce nominaciones al Oscar, La La Land se presenta como una de las favoritas en la próxima entrega y definitivamente se instala como una de las grandes contenedoras, por devolver la magia, ilusión y encanto al cine actual, sin perder de vista una historia sólida anclada a problemáticas universales.

FICHA TÉCNICA

Puntuación OjoEnSerie: 8.5

Puntuación IMDB: 8.5

País: Estados Unidos

Año: 2016

Director: Damien Chazelle (Whiplash)

Guión: Damien Chazelle (Whiplash)

Reparto:

Sebastian  – Ryan Gosling (The Believer, The Notebook, Blue Valentine, Drive,  Crazy Stupid Love, The Big Short)

Mia – Emma Stone (Zombieland, Easy A, Crazy Stupid Love, The Help, The Amazing Spiderman, Birdman)

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Por Catalina Arancibia Durán

 

 

 

 

Hacksaw Ridge: hasta el último hombre

Hacksaw Ridge es una historia perfecta para Hollywood: pequeño gran héroe que se enfrenta a los preceptos del ejército y termina salvando vidas y llevando honor a su país. Basada en el caso real de Desmond Doss, la película nos presenta al primer objetor de conciencia que se une al ejército voluntariamente, pero se niega a llevar un arma por sus creencias religiosas.

La cinta es perfectamente redonda: comienza con una escena de guerra ralentizada, una estetización de la violencia muy propia de su director, Mel Gibson, que ya ha hecho lo mismo en Braveheart y The Passion of the Christ. Tras varios minutos de lucha, escuchamos una voz en off que nos habla sobre Dios, mientras la cámara enfoca un cuerpo al que unas voces identifican como Desmond y por medio de un plano aéreo de unas montañas, nos trasladamos a su infancia y a la situación que lo marcó y lo llevó al camino del pacifismo.

La primera parte del film se centra entonces en su juventud, en la relación con su familia y su futura esposa, su alistamiento y las dificultades que enfrenta al mantener sus valores dentro del entrenamiento militar, pero el gran error de la trama es que para cualquier espectador razonable, el hecho de que un hombre con esos ideales se una por voluntad propia a una institución que fomenta la violencia, no tiene sentido y la explicación tarda demasiado en llegar.

Nuestro héroe logra sin embargo sortear el odio de sus superiores, el desdén de sus compañeros y llega a la batalla de Okinawa como médico, pues su objetivo es “dentro del caos del mundo, lograr salvar algunas vidas”. La segunda parte del film se enfoca en la batalla, en la relación con sus compañeros, el tesón, valor y determinación de Desmond para salvar vidas y cierra con la misma escena del comienzo, para dar paso a grabaciones del verdadero personaje y a quienes lo rodearon.

Las actuaciones están bien, pero todos los personajes parecen demasiado encerrados en sus estereotipos, si bien cabe mencionar la participación de Vince Vaughn como el sargento a cargo, que le da un toque de humor muy sutil a la cinta. El protagonista es presentado desde comienzo a fin como un héroe, sin ningún tipo de matiz que lo vuelva real y la historia se vuelve muy predecible. El punto a favor es el tratamiento estético, pues se percibe un ojo atento a los detalles, al realismo de la batalla y a una cámara consciente que intenta sacar el máximo provecho de cada escena.

Con seis nominaciones al Oscar (entre ellas mejor película, director y actor principal), la cinta promete más de lo que entrega, pues si bien las escenas de guerra son bastantes buenas, se hacen demasiados largas, con demasiado orgullo norteamericano, demonizando a los japoneses como seres despreciables, sin rescatar el sinsentido de un enfrentamiento donde realmente no hay ganadores.

FICHA TÉCNICA

Puntuación OjoEnSerie: 6.0

Puntuación IMDB: 8.3

País: Australia, Estados Unidos

Año: 2016

Director: Mel Gibson (Braveheart, The Passion of the Christ, Apocalypto)

Guión: Robert Schenkkan, Andrew Knight

Reparto:

Desmond Doss  – Andrew Garfield (Boy A, Never Let Me Go, The Amazing Spiderman, Silence)

Tom Doss – Hugo Weaving (Matrix, V for Vendetta, Captain America, Cloud Atlas)

Bertha Doss – Rachel Griffiths (My best’s friend weeding, Six Feet Under, Brothers and Sisters)

Dorothy – Teresa Palmer (I Am Number Four, Warm Bodies, The choice, Lights out )

Sargento Howell – Vince Vaughn ( The Wedding Crashers, The Break Up, The Intership, True Detective )

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Por Catalina Arancibia Durán

 

Santa Clarita Diet: Eat your heart out.

Santa Clarita Diet viene a reformular completamente a uno de los personajes más famosos y utilizados en la historia del cine y la televisión: los Zombies.

Netflix lanzó hace pocos días esta serie que ya tiene revolucionada a la audiencia online, siempre atenta a lo nuevo que va sacando la plataforma. Con un humor más oscuro que la sangre putrefacta de su protagonista, la entrega llegó para sacarle carcajadas a más de alguno y dejarnos con gusto a poco, por lo fácil que resulta devorarse sus diez primeros capítulos.

Su creador, Victor Fresco, ya tiene antecedentes trabajando como productor en series que contienen un humor similar, siendo la más conocida My Name is Earl, y esta vez Fresco no pudo elegir mejor elenco para llevar a la pantalla su idea zombinesca, poniendo al frente a la fabulosa, empática y recontraconocida Drew Barrymore y el extrovertido Timothy Olymphant como protagonistas.

La historia nos posiciona en la vida del matrimonio compuesto por Joel (Olymphant) y Sheila (Barrymore), dos “comunes y corrientes” agentes inmobiliarios que viven junto a su hija Abby en los más típicos suburbios norteamericanos de Santa Clarita, un pueblo que “hasta hace poco, cuenta con un restaurante de comida india”.

Su normalidad pueblerina se ve quebrantada cuándo Sheila contrae un extraño virus que que la convierte en una Zombie muy peculiar, una que por fuera funciona y se ve completamente normal, incluso con mucha más personalidad y energía, pero que tiene un hambre voraz. Como es obvio y de conocimiento general un Zombie necesita de carne humana para sobrevivir y es aquí donde reside el problema de los protagonistas: ambos deberán buscar una alternativa para no convertirse en asesinos “comunes y corrientes” y luego de probar con carne animal y humana putrefacta llegarán a la conclusión de que lo más “correcto” y menos “culposo» será matar personas, personas que merezcan morir.

Esta situación,más allá de parecer bizarra o terrorífica, termina por ser hilarante y descabelladamente graciosa y para lograr asesinar personas sin ser descubiertos tendrán que idear un montón de planes que tensarán mucho más su drama actual.

Lo anterior, será lo más llamativo de la serie, ya que las cosas se salen de control generando un sinsentido que parece atraparnos a costa de carcajadas, y al igual que los protagonistas, sin sentir un gramo de culpa por cada asesinato o inmoralidad que se va cometiendo.

La química entre los protagonista resulta avasalladora, potenciando la empatía que sentimos por ellos. El resto del elenco no se queda atrás, pues los vecinos de Sheila y Joel resultan personajes muy bien construidos en base a la comedia, siendo la hija de la pareja y su vecino nerd adolescente, un aporte estupendo al desarrollo de la trama, pues nos permite otorgarle otro punto de vista al drama familiar, generando múltiples alternativas, tanto de resolución como de tensión de la trama. Teniendo simultáneamente un enfoque juvenil, adulto y “externo” a la familia, lo que nos permite observar todo tipo de daño colateral que la situación “mamá zombie” pueda generar.

Lo bueno de todo esto es que por muy cliché que en algún punto nos parezcan los personajes o las situaciones, nos daremos cuenta que dentro del guión no existe nada gratuito, ni que esté ahí porque sí, todo está conectado y muy bien posicionado, patentando un sentido dramático global y redondo, que termina por opacar lo cliché. Presentándose tópicos recurrentes como el amor, la familia, la revalorización de la vida y la amistad.

Otro punto a favor de la entrega es que por muy irónica, negra o sinsentido que parezca, nos logra introducir en una realidad que creemos posible y nos hace empatizar con los personajes, y no es solo a través de lo bizarro o jocoso, sino que logra enternecernos con las relaciones interpersonales que aquí se generan, pues si algo hay entre la pareja, además de discusiones cotidianas y un desastre emocional a partir de su nueva realidad, es amor, permitiendo que además de reírnos, logremos conectarnos con los sentimientos de cada uno de los protagonistas.

Por otro lado, la estética de Santa Clarita Diet, resulta ser un pro para la serie, pues es muy limpia y clarificadora a la hora de generar un contexto dramático. Estampando un suburbio que resulta de ensueño, representa claramente el “Sueño Americano” satirizado, logrando ser un aporte extra a las situaciones jocosas dentro de la comedia, con planos generales o aéreos que nos contextualizan perfectamente y nos entregan un sentimiento de “normalidad”, cercanía y cotidianidad.

Resulta además muy adecuado el sinsentido dentro de la serie, puesto que la trama (el zombie reformado) es algo completamente nuevo, ya que se observa desde un punto de vista distinto, sin ahondar tanto en lo grotesco y deformado del personaje. Si bien, vemos a la protagonista ingiriendo sesos, intestinos y un montón de dedos de personas ajenas, la situación se normaliza. Sheila es una zombie reformada en aspectos más bien positivos, pasando de una mujer atormentada por las convenciones sociales a ser una completamente renovada, libre y dichosa de la vida, quitándole negatividad a la cualidad de ser un “muerto viviente”.

Por último, es curioso y a modo de dato, que el protagonista consuma marihuana, contrapiéndolo a lo irónico de las situaciones que se van generando. Para fanáticos de la cannabis y la comedia, esta es una serie ideal para perderse frente al televisor con buena comida (a menos que sean asquientos), un buen porro y la mandíbula preparada para soltar carcajadas por diez capítulos consecutivos, pues hay situaciones que se generan dentro de la serie que pareciesen estar hechas para una comprensión de la realidad “desvirtuada” gracias a los efectos de la marihuana.

FICHA TÉCNICA

Puntuación OjoEnSerie: 8.0

Puntuación IMDB: 8.0

País: Estados Unidos

Año: 2017

Creador: Victor Fresco (My name is Earl)

Reparto: 

Sheila – Drew Barrymore (Donnie Darko, Scream, Charlies Angels, Never Been Kissed)

Joel – Timothy Olyphant (My Name is Earl, Justified, Hitman, I am Numer Four)

Abby  – Liv Hewson (DramaWorld, Before I Fall)

Eric – Skyler Gisondo  (Vacation, Night at the Museum, The Amazing Spider Man I – II)

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Por Werner von Mayenberger Risi

Indignation

Basada en la novela de Phillip Roth, Indignation hace un retrato de Estados Unidos en los años cincuenta en plena guerra contra Corea. Marcus, un joven judío de clase trabajadora, entra becado a la universidad y debe lidiar con una realidad que no le satisface. Inteligente, ateo y de pocos amigos, prefiere mantenerse alejado de las multitudes, por lo que se niega a ser parte de la fraternidad judía y mantiene un objetivo claro: estudiar y trabajar.

Las cosas dan un giro cuando conoce a Olivia Hutton, una bella y perturbada chica que lo deslumbra y asusta con su sexualidad. Marcus es inocente e inexperto, pero poco a poco comienza a enamorarse de esta enigmática y problemática mujer y a complicar su tranquila vida.

El protagonista choca tajantemente con este mundo reglamentado en que los estudiantes son obligados a asistir a misa y deben seguir estructuradas reglas de conducta, en las que se delimitan las salidas, las entretenciones y la existencia entera. En Olivia encuentra a alguien que lo comprende, como se puede ver en sus palabras: “No eres un alma sencilla y no deberías estar aquí. Si sobrevives lo cuadrado de este lugar, tendrás un brillante futuro. ¿Por qué viniste aquí? Yo vine aquí porque es tan común y eso se supone debe convertirme en una chica normal, pero tú…tu deberías estar estudiando filosofía en La Sorbonne y viviendo en un desván en Montparnasse…”.

Las actuaciones cumplen a cabalidad con la representación esperada y el casting es de un acierto tremendo, pues Logan Lerman tiene el aire inocente y juvenil perfecto para este rol, tanto como Sarah Gadon puede desdoblarse en una femme fatal y frágil chica al mismo tiempo. Los secundarios como los padres, el rector y los compañeros de cuarto desempeñan maravillosamente sus escasas escenas. La música está muy bien utilizada, pues la mayoría de la película carece de sonidos externos y sólo se utiliza la banda sonora para remarcar ciertas situaciones de importancia dramática.

Se tocan temas como el amor y la libertad en un mundo sumido en una guerra que atrapa a los individuos y una sociedad que delimita y cataloga sin consideraciones. Marcus intenta escapar de esto y su intento es la materia de la que se compone esta cinta en la que los primeros planos y las largas secuencias meditativas se intercalan con apasionados conversaciones que pretenden la reflexión del espectador.

A pesar de todas estas cualidades, la película en general es de ritmo lento y cuando finalmente la acción toma un giro interesante, abruptamente llega el final. A pesar de que la trama es perfectamente redonda, pues la cinta comienza por el desenlace y todo adquiere sentido en los últimos minutos, deja una sensación de vacío argumental.

Indignation tiene algunos de los mejores diálogos en el cine de los últimos años, y quizás el problema fue ese: el filme se quedó atrapado en su referente literario y le faltaron alas para alcanzar alturas cinematográficas y convertirse en un ente autónomo.

FICHA TÉCNICA

Puntuación OjoEnSerie: 6.5

Puntuación IMDB: 7.0

País: Estados Unidos

Año: 2016

Director: James Schamus

Guión: James Schamus (adaptación), Phillip Roth (novela)

Reparto:

Marcus – Logan Lerman (The perks of being a wallflower, Fury, Noe)

Olivia – Sarah Gadon (Dream House, Enemy, Belle)

Decano  – Tracy Letts (Homeland, August Osage County, The Big Short)

Esther – Linda Emond  (The Good Wife, Jenny’s Wedding, The Blacklist)

TRAILER

Por Catalina Arancibia Durán